Aquilo que vemos nem sempre é o real.

Em 2013, David O. Russel decidiu fazer uma comédia romântica que acabou resultando num sucesso de público e crítica, concedendo à Jennifer Lawrence o status de nova diva do cinema americano. Vitoriosa no Oscar de 2013, Jennifer ainda viu seu parceiro de cena, Bradley Cooper, ser indicado para estatueta de melhor ator. Pois a dupla do sucesso O Lado Bom da Vida está de volta nessa comédia dramática sobre um casal de trapaceiros que sonha em viver uma vida inteira de trapaças. Dessa vez, porém, a dupla de queridinhos do diretor aparece como coadjuvante de outra dupla, também cheia de química. Amy Adams e Christian Bale são os motores do filme. Ambos indicados ao Oscar de suas respectivas categorias. 

Inspirado em fatos reais o filme conta a história de uma dupla de vigaristas que é recrutada pelo FBI para tentar flagrar congressistas americanos aceitando suborno. A operação real aconteceu em 1978, mesma época em que se passa o filme. Irving Rosenfeld e Sydney Prosser veem seus dias de trapaça chegar ao fim, quando são pegos pelo agente Richie DiMaso em pleno trambique. Numa jogada secreta, recebem a proposta de colaborar com os “mocinhos” para conseguirem ter a ficha limpa. Aceitam. E aí o filme começa. Irving é apaixonado por Sydney, mas é casado com a transloucada Rosalyn. A relação explosiva com a esposa quase coloca a tentativa de redenção de Irving a perder. Em mais de duas horas de filme, recheados de reviravoltas, vemos o desfile de exageros que já é lugar comum nas produções de David. Todos os problemas de relacionamento e comportamento são aumentados propositalmente, para serem explorados em tom jocoso, receita de sucesso desde a época de Três Reis, passando pelo ótimo O Vencedor.

A qualidade do que vemos é indiscutível. Trilha sonora afiada, com inúmeros sucessos da década de 70. Figurinos fantásticos, explorando a beleza e o charme das quatro estrelas principais. A direção de arte e cenários também são destaque, ressaltando todo o estilo retrô dos móveis e texturas da época. Não por acaso o filme foi indicado ao Oscar de figurino e direção de arte. Mas é na direção de atores que David se destaca. Ano passado ele conseguiu a proeza de fazer seus quatro atores principais serem indicados à estatueta mais famosa do cinema (Jennifer, Bradley, Robert de Niro e Jacki Weaver concorreram aos prêmios de interpretação), fato que não ocorria desde 1981. Como se fosse pouco, o diretor conseguiu repetir o feito um ano depois. Jennifer Lawrence é favoritíssima para levar o prêmio de melhor atriz coadjuvante. Ela está simplesmente fantástica. É a protagonista das melhores cenas do filme: um duelo quentíssimo com Amy Adams num banheiro, um acerto de contas pra lá de surreal com Christian Bale já na parte final do filme e um desfile de sensualidade num momento chave da projeção. Christian Bale é outro que dispensa comentários. Engordou mais de 20kg para fazer Irving e empresta doçura e loucura a um trambiqueiro que usa ternos de veludo e passa cola no cabelo (numa sequência de abertura das mais engraçadas). Amy Adams tem um papel em que pode desfilar toda sua beleza e um ar blasé dos mais poderosos, sua má sorte é que este ano Cate Blanchet parece que não tem concorrentes por sua interpretação em Blue Jasmine. Bradley faz um policial dominado pela ambição, cheio de manias e completamente preocupado com a sua imagem.

Trapaça não é só um filme de reviravoltas, ou entretenimento puro. Toca em temas cruciais, o maior deles a nossa vontade de querer parecer o que não somos diante de certas situações da vida. A busca pelo dinheiro, a adrenalina da conquista, a ambição desmedida, que muitas vezes nos desvia e cria uma capa que apaga o que temos de bom deixando, somente, coisas negativas a mostra. Sem moralismos, sem querer parecer dono da verdade, com ótimos diálogos, o roteiro conduzido por David nos leva a uma divertida viagem onde dá o maior prazer torcer pelos trapaceiros. 

Trapaça foi indicado para dez Oscar: melhor filme, roteiro, edição, direção de arte, figurino, diretor, atriz, ator, atriz coadjuvante e ator coadjuvante.

A menina de quem a Morte foi fã. 

Adaptações literárias para o cinema são sempre projetos que demandam um cuidado maior. Não foram poucas as obras que se perderam ao serem transportadas para uma linguagem completamente diferente. Quando a obra literária é um best seller a situação fica ainda mais complexa. A Menina que Roubava Livros é a obra mais famosa de Markus Zusak, um jovem escritor australiano. Vendeu mais de oito milhões de exemplares em todo o Mundo e arrebatou uma legião de fãs. A transposição para as telas de cinema era um movimento natural, mas a forma como seria feita só se tornaria conhecida na primeira projeção.

O elenco conta com talentos reconhecidos, como Geoffrey Rush e Emily Watson, além da jovem Sophie Nélisse, protagonista da história. Uma reconstituição da época (que vai do período de ascensão à queda do terceiro reich) perfeita, não muito grandiosa, já que a história se passa em uma pequena rua chamada Paraíso (diferente do livro, onde a rua se chama Himmel). Bela fotografia e esmero nos figurinos da época, além de uma trilha sonora deslumbrante, do insuperável John Williams, que com o filme conseguiu sua impressionante 49ª indicação para o Oscar. O diretor inglês Brian Percival não é um nome conhecido no cenário mundial. Ganhou muitos prêmios dirigindo curtas metragens. Uma aposta arriscada para uma obra que merecia um nome de maior peso. Brian não teve ousadia para dirigir e tampouco tentou fazer algo grandioso, épico, o que também poderia ter ocorrido. Nem lá nem cá, o que resultou num filme morno.

Evidente que seria pedir muito que toda a grandiosidade do livro e seus muitos momentos e passagens fossem explorados na tela grande. Até mesmo as peripécias da personagem principal e seu amigo Rudy fossem exibidas à ferro e fogo. Isso porque, a menina Liesel Meminger além de ladra de livros, roubava outras coisas. Mas, no cinema, esse fato resultou em omissão, muito para abrandar a classificação etária do filme, fato que pode resultar em fracasso ou sucesso de uma obra em Hollywood.

Disso tudo, a história da menina que é vendida pela mãe, juntamente com o irmão, a um casal pobre de uma cidade alemã, e é lançada no meio do momento histórico mais aterrorizador da história da humanidade, fica capenga pelos cortes feitos para que o filme tivesse apelo comercial e quantidade de horas suficiente para não cansar o espectador. Acaba que a mutilação deixou a história vazia, tanto que dos roubos de Liesel temos muito pouco. Tudo bem essa opção. Mas ela não poderia vir separada do cerne da história, dos conflitos históricos, da relação da menina com um judeu, do amor pelos livros, que fez dela quem ela se tornou depois. É uma história de como alguém consegue criar um universo paralelo à triste realidade do mundo gelado de um inverno alemão.

A tentativa de emprestar à história um caráter redentor desde o início fez com que o filme perdesse a essência do livro, que é a própria busca por uma saída. A busca de Liesel é o que movimenta o livro, não o que ela se tornaria depois. A capacidade de abstração é o que fez dela singular, até mesmo para a Dona Morte, que perde em capacidade narrativa, também vitima das mutilações do roteiro. Mirar em um épico e acertar num melodrama foi isso que Brian fez. A sorte é que teve um elenco agudo e afiado que, pelo menos, o ajudou a construir um bom melodrama. A tal história do ditado “se a vida te der limões, faça uma limonada” (ou caipirinha, para alguns) tão batida em tantos filmes. Liesel, que escolheu a vida, mesmo com a Morte espreitando o tempo todo, Liesel que fez da Morte uma fã, essa menina merecia um filme melhor.

O amor tem mil faces!

Quando a Disney lançou Detona Ralph, em 2013, fruto da sua parceria com a Pixar (comprada pela Disney em 2006) muita gente pensou que seria irreversível a influência da premiada produtora de Toy Story sobre o estilo clássico de fazer animações, pecha que a Disney carregou por anos. Realmente, Detona emprestou uma nova cara ao jeito tradicional dos desenhos Disney, mas isso não significou uma guinada de 180 graus. A afirmação é provada agora, em 2014, no verão escaldante do hemisfério sul, chega a animação Frozen – Uma Aventura Congelante.

Todas as características dos grandes clássicos Disney estão presentes: os cenários lindos, sequências de coreografias ótimas e uma trilha sonora das melhores que já foram criadas pelo maior estúdio de animação de todos os tempos. É um autêntico desenho Disney, dos melhores que foram produzidos por lá nos últimos muitos e muitos anos. Acontece que já conseguimos ver uma pequena mudança de postura e rumos diferentes dos “normais” no roteiro desse novo produto. 

As princesas estão mais independentes e é delas, e só delas, o grande protagonismo do filme. As irmãs Anna e Elsa (vozes de Kristen Bell e Idina Menzel) são amigas e cúmplices quando crianças. Um incidente ocasionado por um dom que possui, porém, faz com que Elsa se separe da irmã. Já adolescentes e órfãs, é chegada a hora de Elsa se tornar rainha. Um novo ponto de tensão ocorre, o que desencadeia uma sequência de aventuras de tirar o fôlego. No meio da jornada em busca da liberdade as irmãs se deparam com um hilário boneco de neve falante, que sonha viver as alegrias e o calor do verão, um solitário homem da montanha e seu fiel escudeiro Sven, além dos trolls, que possuem papel importante na história, tanto no início quanto na sequência final.

A trilha sonora de Christoph Beck é fantástica. Com uma pegada estilo Broadway certamente vai estar entre as indicadas para o Oscar. Dentro da parte musical, destaque para “Lei it go”, cantada por Idina Menzel, estrela de primeira grandeza do teatro americano. "Do You Want to Build a Snowman?”, "For the First Time in Forever" e "Love is an Open Door" completam o time de canções de onde, certamente, sairá alguma (ou algumas) para a lista de indicadas no Oscar 2014.

Não esquecendo os tecnicismos e a perfeita qualidade do traço e da mistura de cores, um cartão de visitas mais que normal dos estúdios de Walt Disney, o que impressiona mesmo é a clara tentativa (mais que bem sucedida) de dar outra cara para as princesas do estúdio. Anna e Elsa fogem completamente aos estereótipos das mocinhas encantadas da Disney. Os personagens masculinos orbitam em torno da história das duas irmãs. São secundários e realmente não ganham destaque sequer na sequência final. Até mesmo a saída clássica, para o tal beijo do amor verdadeiro, ganha contornos modernos e mostra que nem tudo na vida se resume a um príncipe encantado. O resultado final é um filme que agrada aos pequenos, aos jovens e aos adultos, exatamente porque possui tudo que um bom "cinemão" deve ter: boa história, personagens bem construídos, cenários deslumbrantes e uma perfeita combinação de comédia, drama e aventura. Do jeito que é a vida de qualquer princesa da vida real.

A fé como instrumento de justiça.

Um apito dá início ao andamento da trama deste suspense estrelado pelo par de galãs Hugh Jackaman e Jake Gyllenhaal. Antes do apito, porém, somos apresentados às duas famílias em torno da qual irá girar a trama. Keller Dover, esposas e dois filhos e a família da menina Joy, amiga da filha de Dover. Somos convidados para a ceia de ação de graças das famílias. Vemos as crianças correndo pela casa, os adolescentes conversando, as mães cozinhando e os pais arrumando a mesa. Até que lá pelas tantas as pequenas Anna e Joy pedem aos pais para irem até a casa da primeira procurar o apito que seu pai havia lhe dado. É o suficiente para que as meninas desapareçam e comece o suspense.

Uma lista de suspeitos vai surgindo na nossa frente, mas todos nós ficamos tão perdidos quanto o detetive Loki, um solitário e metódico policial. As pistas sobre o criminoso responsável pelo desaparecimento insistem em não chegar e o policial precisa conter a ira dos familiares, principalmente do pai de Anna. Os acontecimentos que desencadeiam a resolução do caso são dados em sequência, e uma das grandes sacadas do filme é fazer com que os protagonistas Loki e Dover descubram qual o próximo passo a dar juntamente conosco.

Tecnicamente estamos falando de um filme que sabe explorar como poucos a tríade trilha sonora-enquadramentos-fotografia. O clima sombrio de sótãos, apartamentos abandonados, casas antigas e jardins escuros é ornado por uma fotografia que privilegia o desfocado, as imagens por trás das janelas, tudo isso completado pelas tomadas fechadas que se abrem aos poucos ou vice versa. O uso da trilha é um caso a parte, com as cenas sendo ritmadas pelo crescimento das notas musicais. É tão bem feito que não reparamos que é a trilha, parece mais um dos personagens nos avisando que “aí vem coisa”.

Mas existe outro componente que na verdade explica as motivações do filme. Protagonista e antagonista formam dois lados de uma mesma moeda. São humanos, mas cada um representa a fé de pontos distintos. Enquanto o policial Loki é o defensor da justiça dos homens, Dover é aquele que personifica o perigoso discurso da justiça divina. O homem que acredita poder definir se Deus irá ou não aprovar determinado comportamento que for praticar, e ele pratica. Pratica muita coisa reprovável em nome da justiça de Deus. A fé ou a falta dela, no final, irá determinar o destino dos personagens.

Hugh e Jake construíram seus personagens à perfeição. O primeiro criou um pai com um instinto quase animalesco de sobrevivência que não poupa esforços e não mede consequências para recuperar a filha perdida. O segundo faz um policial obsessivo com tiques nervosos nos olhos, cabelo arrumado, camisa fechada até o pescoço, todos os componentes necessários para adjetivar o seu personagem. Com um quê dos filmes de suspense de David Fincher Os Suspeitos entra para a galeria com louvor como um dos melhores filmes do gênero em 2013. E o apito da fé liga a narrativa do começo ao fim do filme. Um sopro de esperança para responder aos caminhos da fé escolhidos pelos protagonistas.

É NO VAZIO QUE VOCÊ ENCONTRA A SI MESMO.

As apostas de Alfonso Cuarón sempre foram as menos óbvias. Nascido na Cidade do México, em 1961, aos 34 anos iniciou o que parecia ser uma bem sucedida carreira em Hollywood. Dirigiu dois filmes de grandes estúdios com relativo sucesso de público e grande sucesso de crítica: A Princesinha e Grandes Esperanças. A aposta no menos óbvio veio quando ele decidiu voltar ao México para dirigir e produzir o que até hoje é o maior sucesso cinematográfico do país: o drama Y Tu Mamá También. Depois disso, parecia inevitável não sucumbir aos apelos americanos. Foi convidado e dirigiu o terceiro filme da série Harry Potter, além de um dos melhores filmes de 2006: um drama futurista e apocalíptico chamado Filhos da Esperança. No auge da carreira escolheu a reclusão, saiu dos grandes projetos por longos sete anos até reaparecer com esse incrível Gravidade.

A história do astronauta Matt Kowalski (George Clooney) em sua última missão fora da Terra (consertar o telescópio Hubble) e da doutora Ryan Stone (Sandra Bullock) que o acompanha na missão, juntamente com outros membros da Nasa, parece ser simples mas estamos falando de Cuarón, o homem que foge do óbvio. O que parecia terreno fértil para diálogos repletos de coordenadas e terminologias técnicas vira um oásis de sons, enquadramentos surpreendentes e diálogos que dizem muito mais sobre nós mesmos do que os papos que temos em terra firme.

Uma chuva de destroços de um satélite provoca um acidente que deixa Matt e Ryan à deriva, reféns da única coisa que existe de fato num ambiente espacial: a gravidade. O silêncio do nada que existe fora das roupas de astronauta toma a sala de cinema e nos joga em pleno espaço sideral, também reféns da gravidade. Um bravo Matt contrasta com uma titubeante Ryan, uma mulher que já passou por tantas provações na vida quantas são necessárias para fazer parecer libertador uma odisseia no espaço. As tomadas sem diálogo são tão sensacionais e especiais que tornam aula esse roteiro feito para ser cinema – o auge da imagem trabalhada esteticamente. Em pleno espaço, estafada de tanto lutar, a doutora Ryan se coloca em posição fetal, como que dali por diante houvesse dentro dela e na narrativa do filme o renascimento. Cinema puro. Imagem que diz mais do que mil palavras.

O esforço físico feito pela dupla de astros é impressionante. Sandra Bullock tem 49 anos e um corpo simplesmente perfeito. O crescimento da coragem e da força da personagem são extremamente bem marcados e servem para conduzir a narrativa. Sandra leva o filme de tal forma que até nossa respiração faz eco com a dela. 

Talvez, Gravidade fique perdido entre os excelentes filmes do novo século ou talvez se torne o novo 2001 – Uma Odisseia no Espaço (muito menos pelo tema e mais por ter conseguido empregar uma estética intimista para um filme de ficção científica, em 2001 uma ode sobre a força da mente e a loucura, em Gravidade uma forma de renascer quando só existe o vazio de tudo), o que seria, de fato, merecido. Não seria esperar muito uma enxurrada de indicações aos principais prêmios do cinema em 2014. Seria óbvio, ao contrário de Alfonso. Que ele não suma por mais sete anos. É talento demais para ficar escondido. 

Calçada da Fama para os Minions já!

Meu Malvado Favorito (Despicable Me), que surpreendeu o cenário da animação em 2010, trazia um tratamento visual que não deixava nada a desejar diante de estúdios famosos como Pixar e Sony. Além disso, vinha com bônus: uma história simpática sobre um homem ruim que descobria seu lado bom com a ajuda de três fofíssimas órfãs. Nesse pacote vieram piadas politicamente incorretas e um enorme número de situações que colocavam o então malvado Gru no caminho do bem.

Em Meu Malvado Favorito 2, em cartaz nos cinemas desde a última sexta-feira dia 5 de Julho, encontramos um Gru completamente inserido no mundo do bem, cuidando das suas três filhotas e preocupado em criar uma receita de geleia arrasadora. Sua grande dificuldade agora é encontrar uma mãe para suas filhas, movimento que é pressionado a fazer por vizinhos e pelas próprias meninas. Quando se vê colocado no meio de uma trama de espionagem para encontrar um suposto vilão que rouba uma arma capaz de transformar em violenta qualquer criatura do planeta, Gru também corre o risco real de se transformar em mais um ser humano que faz coraçãozinho com as mãos. É que uma agente designada para trabalhar com ele torna o “careca do bem” presa fácil para as armadilhas do amor.

O aprumo técnico do filme, como era de se esperar, teve melhora acentuada e os detalhes em 3D são muito legais. Acontece que a fórmula de sucesso que misturava novidade em termos de personagem mais uma história cheia de piadas incorretas parece ter perdido fôlego. Sendo assim, sobrou para os Minions. As apaixonantes criaturinhas amarelas, que trabalham para Gru, roubam quase toda a cena do filme. Estão em praticamente todas os momentos, com o dialeto minion todo particular, fazendo paródias de famosas músicas do universo pop americano e até mesmo da nossa Carmem Miranda. A pequena Agnes, uma das órfãs adotadas por Gru, também se destaca com cenas fofas junto ao pai adotivo e com seus bordões de felicidade extrema.

É certo que, para que venha um Meu Malvado Favorito 3 o estúdio Ilumination Entertainment precisa inovar tanto quanto fez no primeiro filme em 2010. Apostar em algumas cenas realmente muito boas não garante a antologia de um filme. Vai ser um arrasa quarteirão daqueles, mas poderia ser mais. Talvez quando chegar o tão falado filme estrelado pelos Minions teremos algo diferente. Seria interessante ver um longa de animação falado num dialeto particular, sem diálogos clássicos. E vamos e convenhamos, os proletários mais famosos do cinema carregam o filme nas costas e já fazem por merecer um tapete vermelho só para eles! Não é pelos 0,20 centavos, é por um filme só dos Minons!

Para se divertir, confira o vídeo promocional com uma apresentação musical das criaturinhas amarelas!