ESSENCIAL PARA A VIDA!

De repente a história do Pequeno Príncipe passa a ser chata pra gente. Com o passar dos anos, aquele papo de cativar, amar, ser bondoso parece uma figura abstrata daquelas que fazíamos quando criança nas aulas de desenho: totalmente sem sentido. Talvez por isso, o primeiro contato com essa animação francesa do diretor americano Mark Osborne (o mesmo do ótimo Kung Fu Panda) seja meio ressabiado. Será que vale a pena ver, mesmo sem ter nenhum pequeno pra levar ao cinema? A resposta vem rapidamente: VALE!

Primeiro porque a história do príncipe que vivia sozinho em um planeta até a chegada da sua Rosa é contada dentro de outra história. Uma menina, oprimida pela mãe controladora, se muda para um bairro perto do colégio para onde estuda com afinco com a finalidade de prestar um exame ao final das férias. Acontece que, de cara, ela topa com um senhor excêntrico que viveu uma vida de aventuras. Rapidamente e com engenhosidade o velhinho consegue introduzir a história do príncipe solitário. E a vida da menina começa a mudar. A história dentro da história e os momentos em que a pequena começa a tomar as rédeas da sua vida são o ponto alto do filme. Muito porque as atitudes da garotinha são aquelas que nós poderíamos ter ou tivemos quando nos deparamos com os clássicos ensinamentos do livro na primeira vez que lemos. É como se fossemos nós ali na tela.

Em segundo lugar o aprumo técnico é uma maravilha. Usando duas técnicas distintas de animação, Mark mostra a vida da menina em animação digital. A história clássica é contada em stop motion, a técnica mais rudimentar de animação fotográfica com seus 24 quadros por segundo de filme. O contraponto entre as duas formas de arte traz um requinte visual que difere bastante das animações da Disney, que estamos acostumados a ver.

Nem mesmo a parte final do filme, que entra num ritmo frenético de aventura e crítica a sociedade de consumo e aos workaholics consegue destruir o que foi criado antes. A introdução de um desfecho dirigido tira a possibilidade da nossa livre interpretação. Certamente chegaríamos à mesma conclusão do filme, mas seria melhor que pudéssemos chegar até ela sozinhos. O desfecho pra lá de emotivo leva adultos e crianças às lágrimas e faz com que a gente saia do cinema com aquela sensação de que realmente o essencial é invisível aos olhos. E que seguir o coração talvez seja a única alternativa realmente plausível em dias de guerra como os que vivemos hoje. E que, acima de tudo, somos únicos e é nessa unicidade que repousa a grande vantagem de sermos humanos.

E NUNCA MAIS VAMOS PENSAR DA MESMA FORMA!

  

Geniais. Após alguns filmes "apenas" bons, os geniais da Pixar ressurgem em 2015 com uma das ideias mais interessantes dos últimos tempos: mostrar em imagem, com enredo e personagens como ocorre o processo que alavanca nossos pensamentos, posturas diante dos acontecimentos, ações e interações com outras pessoas. A história toda acontece dentro da cabeça de uma garotinha de 11 anos, que acabou de mudar de cidade por conta do trabalho do pai. Riley sofre uma mudança brusca ao sair do frio estado de Minnesota para a ensolarada Califórnia.

Mas o plano principal do filme acontece dentro da cabeça da menina. É lá que os personagens principais vão desfilando um monte de referências da cultura pop, da psicologia e até mesmo de outros filmes da Pixar em sequências tão bem feitas que durante toda a projeção você repete muitas vezes “que maneiro!”, “sensacional bolarem isso”, “que sacada genial!”, entre outras. Alegria, Tristeza, Raiva, Nojinho e Medo. São essas, na visão da Pixar, as emoções que dominam nossa mente. Da interação entre elas, numa sala de controle, é que somos impelidos a externar o que sentimos. Quando alguém nos irrita, é a Raiva que está no comando, quando achamos um cabelo na comida, Nojinho domina. E por aí vai. Cada momento da nossa vida é guardado em bolas de pensamento, e existem aqueles que ajudam na formação do nosso caráter, na criação das nossas ilhas mais importantes (família, honestidade, lazer, amizade, bobeira).

O comandante chefe da mente da Riley é a Alegria, não poderíamos esperar outra coisa para uma criança. Um contraste com os comandantes chefes dos outros personagens (“grande sacada!), já que, qual seria a emoção dominante na cabeça de uma mãe? Ou de um pai de família? Somos diferentes e dentro de nós também são diferentes as emoções dominantes. Palmas pra Pixar que sempre valoriza a não padronização comportamental em seus filmes. Um alento na hora de ver com os pequenos. Mas então, Alegria é a dona do pedaço e as outras emoções sofrem sua total influência. Um acontecimento na sala de controle joga Alegria e Tristeza para fora do comando e durante todo o filme a tentativa de retorno é o que move o enredo. Raiva, Nojinho e Medo não conseguem conviver sozinhos e a vida de Riley começa a mudar completamente.

É sempre bom lembrar a predileção quase que obsessiva que a Pixar tem por duplas protagonistas. Em absolutamente TODOS os filmes do estúdio tivemos sempre um par de personagens principais. Marlin e Dory, Buzz e Woody, Carl e Ellie, Mike e Sullivan, Wall.e e Eva, entre muitos. Aqui Alegria e Tristeza dividem as melhores cenas do longa. E da interação entre elas, na viagem de volta ao centro de controle, brotam cenas e sacadas absolutamente fantásticas. São tantos momentos no Mundo dos Sonhos, ou no Atalho, com tantos símbolos que durante boa parte do tempo ficamos de boca aberta. A recomendação é só essa: prestar atenção e curtir. O colorido, as texturas estão cada vez mais reais. A técnica do desenho continua intacta, mas em Divertida Mente o que chama atenção é a forma como usam as cores. Para definir um personagem, para mostrar um pensamento bom, ou um ruim, para mostrar as mudanças de humor de Riley no mundo de fora da mente. E eles inventaram a fotografia de animação. Gênios!

A opção por não vilanizar a Tristeza é mais um acerto. Até referência ao mal do século nós temos: falam de depressão, nas entrelinhas mas falam. Num filme "de criança"! A forma como a Alegria descobre o famoso “dois lados da mesma moeda” é de arrancar lágrimas em qualquer ser humano vivo ou morto. Tente não chorar. Óbvio que em muitos momentos vemos a linguagem do desenho, para crianças, mas sem sombra de dúvidas somos nós, adultos, que iremos saborear com gosto essa obra-prima da psicologia animada (eles criaram isso mesmo). Talvez seja o melhor filme de animação de todos os tempos. Coisa pra ver e rever por muitas e muitas vezes. Chorar e rir, com as duas meninas de braços dados dentro da cabeça da gente. 

O amor tem mil faces!

Quando a Disney lançou Detona Ralph, em 2013, fruto da sua parceria com a Pixar (comprada pela Disney em 2006) muita gente pensou que seria irreversível a influência da premiada produtora de Toy Story sobre o estilo clássico de fazer animações, pecha que a Disney carregou por anos. Realmente, Detona emprestou uma nova cara ao jeito tradicional dos desenhos Disney, mas isso não significou uma guinada de 180 graus. A afirmação é provada agora, em 2014, no verão escaldante do hemisfério sul, chega a animação Frozen – Uma Aventura Congelante.

Todas as características dos grandes clássicos Disney estão presentes: os cenários lindos, sequências de coreografias ótimas e uma trilha sonora das melhores que já foram criadas pelo maior estúdio de animação de todos os tempos. É um autêntico desenho Disney, dos melhores que foram produzidos por lá nos últimos muitos e muitos anos. Acontece que já conseguimos ver uma pequena mudança de postura e rumos diferentes dos “normais” no roteiro desse novo produto. 

As princesas estão mais independentes e é delas, e só delas, o grande protagonismo do filme. As irmãs Anna e Elsa (vozes de Kristen Bell e Idina Menzel) são amigas e cúmplices quando crianças. Um incidente ocasionado por um dom que possui, porém, faz com que Elsa se separe da irmã. Já adolescentes e órfãs, é chegada a hora de Elsa se tornar rainha. Um novo ponto de tensão ocorre, o que desencadeia uma sequência de aventuras de tirar o fôlego. No meio da jornada em busca da liberdade as irmãs se deparam com um hilário boneco de neve falante, que sonha viver as alegrias e o calor do verão, um solitário homem da montanha e seu fiel escudeiro Sven, além dos trolls, que possuem papel importante na história, tanto no início quanto na sequência final.

A trilha sonora de Christoph Beck é fantástica. Com uma pegada estilo Broadway certamente vai estar entre as indicadas para o Oscar. Dentro da parte musical, destaque para “Lei it go”, cantada por Idina Menzel, estrela de primeira grandeza do teatro americano. "Do You Want to Build a Snowman?”, "For the First Time in Forever" e "Love is an Open Door" completam o time de canções de onde, certamente, sairá alguma (ou algumas) para a lista de indicadas no Oscar 2014.

Não esquecendo os tecnicismos e a perfeita qualidade do traço e da mistura de cores, um cartão de visitas mais que normal dos estúdios de Walt Disney, o que impressiona mesmo é a clara tentativa (mais que bem sucedida) de dar outra cara para as princesas do estúdio. Anna e Elsa fogem completamente aos estereótipos das mocinhas encantadas da Disney. Os personagens masculinos orbitam em torno da história das duas irmãs. São secundários e realmente não ganham destaque sequer na sequência final. Até mesmo a saída clássica, para o tal beijo do amor verdadeiro, ganha contornos modernos e mostra que nem tudo na vida se resume a um príncipe encantado. O resultado final é um filme que agrada aos pequenos, aos jovens e aos adultos, exatamente porque possui tudo que um bom "cinemão" deve ter: boa história, personagens bem construídos, cenários deslumbrantes e uma perfeita combinação de comédia, drama e aventura. Do jeito que é a vida de qualquer princesa da vida real.

Calçada da Fama para os Minions já!

Meu Malvado Favorito (Despicable Me), que surpreendeu o cenário da animação em 2010, trazia um tratamento visual que não deixava nada a desejar diante de estúdios famosos como Pixar e Sony. Além disso, vinha com bônus: uma história simpática sobre um homem ruim que descobria seu lado bom com a ajuda de três fofíssimas órfãs. Nesse pacote vieram piadas politicamente incorretas e um enorme número de situações que colocavam o então malvado Gru no caminho do bem.

Em Meu Malvado Favorito 2, em cartaz nos cinemas desde a última sexta-feira dia 5 de Julho, encontramos um Gru completamente inserido no mundo do bem, cuidando das suas três filhotas e preocupado em criar uma receita de geleia arrasadora. Sua grande dificuldade agora é encontrar uma mãe para suas filhas, movimento que é pressionado a fazer por vizinhos e pelas próprias meninas. Quando se vê colocado no meio de uma trama de espionagem para encontrar um suposto vilão que rouba uma arma capaz de transformar em violenta qualquer criatura do planeta, Gru também corre o risco real de se transformar em mais um ser humano que faz coraçãozinho com as mãos. É que uma agente designada para trabalhar com ele torna o “careca do bem” presa fácil para as armadilhas do amor.

O aprumo técnico do filme, como era de se esperar, teve melhora acentuada e os detalhes em 3D são muito legais. Acontece que a fórmula de sucesso que misturava novidade em termos de personagem mais uma história cheia de piadas incorretas parece ter perdido fôlego. Sendo assim, sobrou para os Minions. As apaixonantes criaturinhas amarelas, que trabalham para Gru, roubam quase toda a cena do filme. Estão em praticamente todas os momentos, com o dialeto minion todo particular, fazendo paródias de famosas músicas do universo pop americano e até mesmo da nossa Carmem Miranda. A pequena Agnes, uma das órfãs adotadas por Gru, também se destaca com cenas fofas junto ao pai adotivo e com seus bordões de felicidade extrema.

É certo que, para que venha um Meu Malvado Favorito 3 o estúdio Ilumination Entertainment precisa inovar tanto quanto fez no primeiro filme em 2010. Apostar em algumas cenas realmente muito boas não garante a antologia de um filme. Vai ser um arrasa quarteirão daqueles, mas poderia ser mais. Talvez quando chegar o tão falado filme estrelado pelos Minions teremos algo diferente. Seria interessante ver um longa de animação falado num dialeto particular, sem diálogos clássicos. E vamos e convenhamos, os proletários mais famosos do cinema carregam o filme nas costas e já fazem por merecer um tapete vermelho só para eles! Não é pelos 0,20 centavos, é por um filme só dos Minons!

Para se divertir, confira o vídeo promocional com uma apresentação musical das criaturinhas amarelas!

Juan José Campanella é conhecido e admirado no Mundo inteiro pela extrema sensibilidade na condução de filmes. Retratar a vida de sujeitos comuns, suas crises existenciais e os problemas na condução dos amores e amigos são especialidade do argentino, de 53 anos, nascido em Buenos Aires, responsável por filmes inesquecíveis como O Filho da Noiva, O Mesmo Amor A Mesma Chuva e o belíssimo O Segredo dos Seus Olhos (vencedor do Oscar de melhor filme estrangeiro em 2009). Todos eles estrelados pelo seu ator preferido, o grande Ricardo Darín. 

Acontece que a nova empreitada de Juan é realmente uma aventura. A primeira notícia é que desta vez Darín não participará. O que já é uma novidade. A outra surpresa anunciada é que Metegol (Turma Show de Bola, título provisório em português) nada mais é do que uma animação 3D. A primeira animação em terceira dimensão do cinema argentino.

Metegol, em castelhano, nada mais é do que o nosso famoso Totó. Então, além de girar em torno do mundo futebolístico a história também ganha contornos épicos, quando o herói da vez é forçado a salvar a vida da sua amada. Amadeo é um garoto tímido que tem como maior qualidade ser um grande jogador de Totó. Quando um antigo morador da sua cidade, chamado Párpados, retorna ao pequeno vilarejo já conhecido como o maior jogador do Mundo, Amadeo é desafiado para uma partida. Depois de entrar em desgraça, ele se vê tendo que salvar Laura e o vilarejo onde vive. Para isso, contará com a ajuda dos jogadores de Totó que, SIM, ganham vida para participar da aventura.

Para criar a primeira animação 3D da história da Argentina mantendo a qualidade que marcou todos os seus filmes, Campanella optou por reunir uma equipe extremamente experiente e não colocou rédeas temporais no projeto. Assim, a produção que foi anunciada em 2009 somente agora, início de 2013, entra em fase final de pós-produção. E a equipe? Das melhores do mercado. Vários técnicos oriundos da Pixar. A equipe central de animação foi composta de nove pessoas. Estes se ocuparam diariamente de mover e marcar os 600 pontos de expressão facial de cada personagem do filme. Foram necessárias quinze revisões de todos o trabalho, quando o normal em animações são cinco. Não porque estava ruim, mas porque o diretor quis deixar cada animação do elenco da mesma forma que ele concebeu ainda na fase de pré-produção. Pelos trailers já dá para ter uma ideia da qualidade alcançada.

Para Campanella, um argentino apaixonado por futebol, como quase todos, a oportunidade de mostrar o universo das competições futebolísticas através do brinquedo pelo qual toda criança se apaixona era algo que não poderia ser feito através de um filme comum. O diretor acredita que futebol é fantasia e nada melhor do que uma animação para reunir os elementos mágicos e fantásticos que fazem parte de qualquer partida de futebol. 

Juan José Campanella é o sujeito que definiu a paixão por uma equipe de futebol numa das melhores frases já proferidas em um filme até hoje: 

"- Você se dá conta, Benjamín? O sujeito pode mudar de tudo: de cara, de casa, de família, de namorada, religião, de Deus...Mas, tem uma coisa que o sujeito não pode mudar, Benjamín. Não se pode trocar de Paixão." 

Então, seja você um torcedor apaixonado, um mero apreciador do jogo ou apenas um cinéfilo que curte quando alguém renomado sai da sua zona de conforto, Metegol (Turma Show de Bola) estará a partir de Julho de 2013 esperando o seu grito de "Gooool!", diretamente da sala escura.

Uma ode de amor aos Fliperamas!

Em 2006 a Disney comprou a Pixar. O negócio gerou alguns conflitos e um temor: como ficaria o mercado de animações que tempos atrás havia sofrido uma revolução com os "desenhos para gente grande" produzidos pela criativa empresa de Steve Jobs? Estamos em 2013. Quase sete anos depois, todas as animações indicadas ao Oscar possuem o selo Disney de qualidade. Algumas, como Brave (Valente), vencedora do Globo de Ouro, são fruto da parceria Disney/Pixar. Outras, como Detona Ralph, fazem parte da reserva Disney dentro do conglomerado. Mas, qual o sentido de saber a história toda? A resposta é que, talvez, Detona seja o primeiro indício que o DNA Pixar está invadindo a Disney e não o contrário.

Apesar de ser um 100% Disney, Detona Ralph está bem mais próximo da linguagem usada em Toy Story do que em clássicos como A Bela e a Fera, Cinderela ou O Rei Leão. Outras características de produções Pixar aparecem claramente: a opção por uma dupla de protagonistas (Ralph e Vanellope von Schweetz nos fazem recordar de duplas inesquecíveis como wall.E e Eva, Carl e Russel, Woody e Buzz entre tantas), as texturas dos personagens, cabelos, expressões, cores das roupas, movimentos e uma temática pop cheia de referências culturais, são exemplos claros da influência sofrida pela Disney.

A história é toda passada dentro do universo dos fliperamas. Nas cenas muitos jogos e heróis de games clássicos são lembrados. Como as barrinhas de Pong, o Q*Bert, Pac man, entre outros. Vilão do jogo Conserta Tudo Félix Jr, um game de 8 bits, o Ralph é um carinha cansado do seu papel. Na primeira parte do filme somos apresentados ao seu mundo solitário e nos compadecemos do seu sofrimento. Para ser querido e amado é que Ralph sai em busca de uma medalha de herói, por acreditar que com ela ganhará todos os louros de ser um grande mocinho. Temos, então, uma aventura. 

Lá pelas tantas, nosso herói vilão vai parar no jogo Sugar Rush. No mundo dos doces uma ótima sacada tem a ver com um vulcão de Coca-Cola com Menthos. No jogo, Ralph conhece Vanellope e com ela forma a dupla que vence seus medos.

Para além das questões profundas, o filme dá a medida certa de diversão, uma lição de moral que não chega a ser pretensiosa ( e que sempre se faz necessária em filmes para pequenos) e um mergulho delicioso no universo Retrô dos jogos de Fliperama. Detona Ralph emociona crianças e todos aqueles adultos que já foram muito felizes dentro de um "Fliper". (suspiros).

O filme foi indicado ao Oscar de Melhor Animação em 2013.

Para sempre em nossos corações!

Antes de mais nada, em 2010 o último filme da trilogia foi indicado para 5 estatuetas do Oscar, entre elas as de melhor filme e roteiro adaptado – categorias consideradas nobres, ainda mais para uma animação. Ganhou dois: melhor animação e canção original (“We Belong Together" de Randy Newman). Em que pese a vitória do filme O Discurso do Rei, não resta dúvidas no MEU coração que a vitória moral vai para a animação da Pixar, que encerra, com chave mais do que de ouro, uma era do cinema.

Nós que acompanhamos a história do garoto Andy e seus bonecos desde 1995, 15 anos depois fomos presenteados com um filme de rara beleza. O garoto cresceu e vai fazer faculdade, seus fantásticos brinquedos, porém, estão prestes a ir para o sotão. Andy arruma as coisas e faz dois sacos: um para o lixo e outro para o sotão (com todos os brinquedos, exceto Woody – o cowboy que ele pretende levar para a faculdade). A mãe do jovem rapaz confunde os sacos e manda para o lixo todos os brinquedos. Woody vai atrás para tentar ajudar seus amigos que foram para o lixo, lá avisa que todos seriam mandados para o sotão. Acontece que os outros brinquedos acabam achando que Andy queria realmente se desfazer deles e vão parar na creche Sunnyside. Lá descobrem que irão enfrentar um autêntico pesadelo. E o único que tenta voltar para o dono é o herói genuíno da trilogia: Woody.

Tudo em Toy Story 3 é melhor do que nos outros. O visual fantástico, as texturas, os humanos, os cenários e, principalmente, a solução encontrada para fechar a série. Todos os personagens apresentam suas principais características em momentos cruciais da trama. E não há dúvidas: Woody é o cara! O empenho, a fidelidade dele em não abandonar o seu amigo e o jeito que encontra para liderar os outro bonecos são o desfecho plausível, e por isso mesmo sensacional, para todo martírio enfrentado pelo cowboy nos outros episódios. Ao final vemos que a Pixar quis nos mostrar como é o tal processo de amadurecimento, aquela coisa de entender que diabos estamos fazendo na vida. O mágico disso tudo? Bonecos foram usados para contar a história.

Para isso, a Pixar não pensou em nos poupar. Guardou para a sequência final uma série de imagens e diálogos que cortam o coração de qualquer humano! Qualquer! É na sequência final que Andy fala, pela primeira vez na série, o que representa cada brinquedo pra ele. Cada brinquedinho tem, então, seu momento de glória. Depois, o momento mágico em que Andy fala para o seu “melhor amigo”. A câmera fecha num close antológico nos olhos de Woody. É um brinquedo, mas os olhos de Woody falam! Falam para as crianças e falam, muito, para os adultos. É emocionante demais. Segue-se uma última brincadeira! Andy, seus brinquedos e a nova dona! Um deleite para todos. E por fim, a descoberta: todos passam a ter a exata noção do que vieram fazer na vida – Andy aprende que cresceu, Woody e seu comandados entendem que devem servir ao dono (ou dona) que lhes dê amor e a pequena criança, que herda tão precioso tesouro, aprende que chegou a hora de começar a brincadeira. Luzes acendem, estou chorando muito. Chego em casa e trato de resgatar todos os meus brinquedos preferidos do fundo do baú. Minha prima Isabela se tornou a nova dona de alguns, com outros eu continuo brincando (sem brincadeira!). E para eles, os brinquedos, deixo meu agradecimento eterno, infinito e além!

Os brinquedos também amam!

Se em Toy Story, o primeiro, a trama girava em torno do encontro entre Woody e Buzz, e o consequente ciúme que surgiu entre eles, o final já nos dava a dica que no segundo filme da saga o mote seria outro. Aqui já não falamos mais de ciúmes e os conflitos que são gerados por eles, agora o tema central é o sentimento de abandono, tão comum em todos nós.

Prestes a ir para um acampemento de férias, o garoto Andy segue brincando com seu cowboy preferido, Woody. Antes da viagem, porém, o boneco sofre um rasgo no braço e o garoto tem que deixá-lo pra trás. Mesmo com a fatalidade, Woody sente que seu dono cresce, e percebe que esse crescimento provoca uma necessária mudança de interesse. Isso faz surgir no boneco um sentimento de abandono e não-pertencimento. Quando vê seu amigo, o boneco Wheezy, ser levado para uma venda de garagem, Woody resolve salvá-lo, mas acaba sendo sequestrado por Al, um colecionador obcecado. No cativeiro ele conhece sua história (é o brinquedo representante de uma série de grande sucesso na TV) e revê parceiros de programa como Jessie e o cavalo Bala no Alvo. No meio dessa onda depressiva do cowboy, o Patrulheiro das Galáxias (!!!) Buzz Lightyear monta um grupo para resgatar Woody.

O número dois da trilogia apresenta um grande número de sequências de perseguição fora do âmbiente caseiro. Vemos os bonecos desfilando pela cidade, algo que seria comum no último episódio da série. Em que pese as ótimas cenas de aventura, um dos momentos mais emocionantes do filme é ver Jessie contando como era sua vida com a antida dona, uma história marcante para a gente e para os brinquedinhos do filme. É no segundo episódio que eles percebem que não terão uma vida de "brincadeira” e felicidade plena para sempre. Por incrível que possa parecer, é no filme Dois, que a Pixar ensina aos brinquedos como eles devem crescer. Um ensinamento que, obviamente, deve ser entendido por nós.

Seguem as referências aos grandes sucessos do cinema como Robin Hood, Laranja Mecânica e Star Wars. O filme ganha cores até então inimagináveis para uma animação gráfica. Folhas, vento, cabelos, tudo aparece com maior realismo. O salto já é impressionante. Um verdadeira revolução na animação. Como se isso, por si só, já não fosse o suficiente, a produção da Pixar apresenta um monte de cenas inesquecíveis. Uma delas precede o clipe com a música que foi indicada ao Oscar de Melhor Canção Original em 2000 - "When She Loved Me" de Randy Newman.

Muita gente, e eu me incluo, acredita que a sequência mestre do filme é aquela em que Jessie conta como sua vida era feliz quando alguém a amava. Na verdade, não é só a vida da Jessie, né? A necessidade de amor, a nostalgia que a perda dele provoca e todas as nuances que envolvem esse sentimento estão presentes no filme. Com a Pixar a gente aprende que amor faz falta até para os brinquedos. Bravo!

"Ao infinito e além!"

Em 1995 a Pixar revolucionou a forma de se fazer animação no Mundo. Não só pela técnica, extremamente apurada, da computação gráfica como também, e muito mais importante, pelo esmero na construção de personagens fascinantes para crianças (e adultos!), e pela forma criativa de desenvolver sequências, diálogos e roteiros caprichados (esse primeiro filme foi, inclusive, indicado ao Oscar de 1996 na categoria Roteiro Original, além de Melhor Trilha Sonora e Melhor Música – “You've got a friend in me”). Podemos dizer que a Pixar resolveu que crianças não devem ser tratadas apenas com belas imagens. Os pequenos merecem histórias caprichadas e coerentes!

Com Toy Story o estúdio, que teve entre seus criadores o mestre Stevie Jobs, iniciou uma caminhada que nos apresentou, de cara, várias características fundamentais de suas produções. A primeira, e muito marcante, é a adoção de uma dupla de protagonistas. No filme, os papéis são destinados ao cowboy Woody (que é xerife por profissão) e ao patrulheiro espacial (!!!) Buzz Lightyear. Os dois queridos são, na verdade, brinquedos do garoto Andy (nota: os humanos, neste primeiro filme, aparecem apenas de relance, talvez porque a Pixar ainda não tinha o domínio completo das expressões humanas. Nos outros filmes da franquia cresce, e muito, a participação de “gente” de “carne e osso” animados).

A história é aparentemente simples mas, como todos os filmes da Pixar, encerra questões muito humanas e profundas como fidelidade, amizade, coragem e espírito de equipe. Woody é o brinquedo preferido do garoto Andy. Nos momentos em que os humanos não estão presentes os brinquedos ganham vida (e quem disse que isso só acontece quando os humanos não estão presentes?) e aprontam inúmeras confusões no quarto do menino. O líder da turma é o cowboy. E que turma! Estão lá ícones da nossa infância como Hasbro, Rex, o T-Rex, Et`s, Sr. Cabeça de Batata e por aí vai! Acontece que Andy está em vias de fazer aniversário e todos os brinquedos temem que novos brinquedos chegem e ocupem o espaço reservado para eles no coração de Andy. Para descobrir quem serão os “novos” rivais, eles montam uma operação de guerra que envolve até um batalhão completo de “soldados de plástico”!

Depois de tanta investigação, eis que surge Buzz. A antipatia e o estranhamento com Woody formam a dupla de sentimentos que faz o início dos conflitos entre os dois tomar forma. Mas, também, é o gancho para que o filme consiga trabalhar outros valores muito nobres, como o entendimento e o espírito de conciliação. É interessante notar que a Pixar não teme fazer com que seus personagens tenham desejos ruins durante o desenrolar das histórias. Toy Story não tem a preocupação de construir heróis perfeitos e que, por isso, ficam distantes da gente. O Woody provoca o Buzz, que devolve ao Woody. São diálogos ácidos. É um pouco de realidade dentro da fantasia. E como o filme aponta saídas lindas e fofas, a gente realmente acha possível melhorar no mundo real.

Buzz sempre repete: "Ao infinito e além!". Nunca um bordão representou tanto um filme. Toy Story vingou! A franquia, que teve mais dois filmes (sendo o último algo perto do inesquecível), arrecadou mais de 2 bilhões de dólares apenas com bilheterias. Os produtos que vieram junto com o filme (tais como, mochilas, brinquedos, cadernos etc) também vendem, e muito, até hoje. A legião de fãs só faz aumentar. Parece que o episódio três encerrou, em definitivo a série. Isso não quer dizer que você não deva apresentá-la ao seu pequeno que ainda está por nascer. Não prive uma criança (nem um adulto) do prazer de conhecer e desfrutar de uma das mais lindas trilogias da história do cinema! E como diria o eterno Woody: “Bala-No-Alvo, sebo nas canelas! Tem uma cobra na minha bota!”.

Quem me dera ser um peixe-palhaço!

- Ôô enfezadinho do oceano! Se a vida decepciona, sabe qual a solução?

- Não, não sei a solução!

- Continue a nadar, Continue a nadar, Continue a nadar, nadar, nadar, pra achar a solução nadar, nadar...

Merlin é um peixe-palhaço que vive com seu filho, Nemo, no fundo do oceano, eles habitam a Grande Barreira de Coral. Extremamente protegido pelo pai, por conta de ter sido o único filho que sobreviveu a um ataque de tubarão, Nemo sonha em conhecer o oceano e descobrir coisas novas na vida.

Um belo dia, desacatando a ordem do pai, o pequeno peixinho é capturado e levado para um aquário na cidade de Sydney. Em pânico, ao ver o filho ser levado diante dos seus olhos, Merlin começa uma caçada por pistas. E é aí que começa, também, a nossa diversão. Na sua jornada, Merlin encontra tartarugas marinhas surfistas, tubarões vegetarianos e uma das personagens mais hilárias do cinema: Dori, uma peixinha que sofre de perda de memória recente.

- Dori, ta vendo alguma coisa?

- AI, alguma coisa me pegou!

- Calma Dori, sou eu!

- Quem taí?

- Sou eu Dori!

- Vc é a minha conciência?

- É, é, sou eu, sou eu. Ja faz um bom tempo que a gente não conversa, como vai?

- Bem, não dá pra reclamar!

- Agora Dori, me diga, ta vendo alguma coisa?

- To vendoo, to vendo uma luz! Ô conciência, eu morri?

A partir do momento da separação do pai e do filho, a ação transcorre em dois lugares: o oceano, com as peripécias da dupla Merlin e Dori (mais uma das duplas da Pixar) e num aquário particular, dentro de um consultório dentário, em Sydney. Longe do pai, Nemo se vê diante de um grupo de peixes que não possuem mais grandes ambições na vida. Porém, com muita coragem, ele começa a mudar a cabeça de todos a sua volta.

Mas é no oceano que a nossa diversão não tem fim. As piadas feitas com Dori, por conta da sua perda de memória, são motivo de muita risada. Muita mesmo! A personagem é tão bem construída que seu nome virou sinônimo de gente esquecida. A sequência que ela fala baleiês e a forma doce e alegre com que leva a vida, mesmo tendo uma doença aparentemente limitadora, é exemplo para todo mundo. Pequenos e adultos!

"Prooocuraaaaando Neeeeemo, oooonde é queeee eeeele eeeestá? Eeeeu queeeeero saaaaaber coooomo cheeeegar láááá." (em baleiês)

O tom politicamente correto dos filmes produzidos pela Pixar está presente. O peixe herói Nemo tem uma deficiência física (uma das nadadeiras é menor do que a outra) e durante todo o momento é ressaltado que nem este aparente problema pode ser impedimento para sua felicidade. Explorar o diferente sem cair no clichê boboca, aliás, é uma das especialidades da Pixar. Outra especialidade é o trato visual, a sensação de profundidade e o tom realístico das paisagens. Pois em Procurando Nemo estas carcterísticas chegaram próximas da perfeição. A paisagem de Sydney é deslumbrante. Fora que temos a exata certeza de que o oceano mostrado no filme é de verdade. Outro ponto interessante são as brincadeiras com clássicos do cinema. No filme, é antológica a cena que lembra o filme Pássaros de Alfred Hitchcock, com pombos perseguindo os personagens principais.

Procurando Nemo é um clássico. Personagens inesquecíveis e uma história que será sempre legal de ver. Superação, amizade verdadeira, entendimento das diferenças, tudo que é importante para levarmos a nossa vida, seja dentro do oceano ou em terra firme.

Continue a nadaaaarrrrrr, pra achar a solução!

Eternamente em nossos corações.

É duro quando alguma coisa que a gente curte muito chega ao fim. A franquia Shrek durou 9 anos. O primeiro apareceu em 2001, o segundo em 2004, o terceiro em 2007 e este último, em 2010. Uma década, que podemos dizer, sem rodeios, foi dominada pelo Ogro verde e sua trupe de amigos, esposa e filhos! Uma infindável onda de produtos, brinquedos e até comida foi criada para celebrar um dos heróis animados mais fascinantes da cultura pop. Um anti-herói por natureza que caiu nas graças de crianças, adolescentes e adultos.

Shrek inaugurou uma nova onda de desenhos animados: aqueles que servem tanto para as crianças quanto para os pais das crianças. Apesar da franquia Toy Story (do estúdio Pixar, rival da Dreamworks que criou Shrek) ter revolucionado graficamente o cinema, Shrek revolucionou a linguagem da animação. Com piadas e temas mais adultos, porém sem perder a inocência, o cinema de animação se tornou programa para toda família. Os produtores de Toy Story entenderam tanto o recado que fizeram um número 3 da franquia com clara incluência, optando por temas mais adultos (perda da inocência, maus tratos etc).

A carga emocional deste último episódio é um desfecho óbvio para o sofrido e humanizado Shrek dos filmes 2 e 3. O filme começa com a nova rotina do Ogro: crianças (são lindos os três filhos do casal: Felícia,Fergus e Flatus), fama, festas e tudo mais. Acontece que ele está entediado e, de verdade mesmo, só queria uma vida simples, cercado do amor que já conquistou. Shrek e seus dilemas, nunca houve um ogro tão humano. Pena que nem mesmo nós, humanos, consigamos agir com tanta humanidade assim. Cansado emocionalmente ele conhece um truqueiro chamado Rumpelstilskin (que antes aparece tendo uma conversa com o Rei e a Rainha de Tão Tão Distante, num tempo passado. Em troca de acabar com a maldição que prendia sua filha na torre de um castelo Rumpelstilskin pede para ser o Rei de Tão Tão Distante. Momentos antes de assinar o Rei é interrompido, sendo informado que um sujeito chamado Shrek havia resgatado sua filha. Começa ai o ódio que Rumpelstilskin nutre por Shrek. Uma bela e plausível amarrada nas histórias). Seduzido pelo mestre dos truques, Shrek topa ter, por algumas horas, a vida que tinha antes de toda a fama. Assina o papel e de uma hora para outra perde tudo que tinha. Começa aí uma jornada que irá servir para ele dar valor ao que realmente importa.

No meio de tudo isso, continuam as piadas e sátiras. O Burro e o Gato de Botas permanecem como coadjuvantes de primeira linha. A gente sabe que termina tudo bem. Obviamente! Mas, é interessante como uma filme que perdura por dez anos tem a capacidade de nos fazer entender melhor. Mesmo não sendo crianças (que ainda são o público-alvo dessas animações) somos instigados a rever conceitos que há muito haviamos esquecido. Dar valor aos amigos não pelo sentimento em si, mas pela jornada que eles topam fazer conosco. Dar valor ao amor verdadeiro: em dado momento do filme Shrek precisa fazer sua amada Fiona sentir amor por ele como se fosse pela primeira vez, e ele consegue. O Ogro tem filhos e família, se sente afogado com tanta pressão, mas é depois de perder tudo que ele percebe não ser mais possível separar, da gente, nossas escolhas de vida sem fazer um grande corte na alma. E para cicatrizar só é possível se retomarmos nosso caminho. A jornada de Shrek para voltar ao ponto onde ele achou que havia se afogado é linda. Um belo desfecho para uma série inesquecível. Ogro, eterno!

Trilha sonora do filme. Clique no "play" e ouça.

Uma derrapada no caminho do Ogro mais bonzinho de todos os tempos!

O terceiro filme da franquia do ogro mais amado de todos os tempos provocou uma caída no ritmo. Como não houve nenhuma grande evolução tecnológica, as piadas sobre filmes famosos, artistas etc já não conseguiram provocar mais nossa risada natural. O caminho foi procurar, novamente, saídas no roteiro. Acontece que, por opção do diretor Chris Miller, este terceiro episódio veio recheado de cenas existenciais e com pouquíssima ação. O resultado disso? Um Shrek que fugiu à regra dos anteriores, um filme diferente, mas que, nem por isso, chega a ser ruim.

O plot point do roteiro é a conversa que Shrek tem com o Rei de Tão Tão Distante. Moribundo, o sogro informa ao nosso herói que ele não precisará assumir o trono. Basta que encontre  o pequeno Artie, um parente distante que poderia se tornar Rei em sem lugar. Acontece que, na hora de partir para a viagem em busca de Artie, Shrek tem uma conversa com Fiona, dessas que definem um relacionamento: ela informa para ele que deseja muito ter filhos e logo depois fala que está grávida. Desnorteado Shrek parte em busca do futuro Rei e em busca de si mesmo.

O filme esquece as cenas de ação e opta por focar no dilema do ogro. Shrek tem um trauma familiar pela forma como foi criado na infância e teme não ter tato suficiente para ser um bom pai. É muito legal ver o desenrolar do dilema. Na verdade é um temor que todos nós temos. Não sermos bons o suficiente para criarmos outra pessoa. É uma senhora responsabilidade que até os ogros acusam.

Enquanto Shrek segue em sua jornada, no reino de Tão Tão Distante, Fiona organiza um chá de bebê, ao mesmo tempo o Princípe Encantado reúne outros vilões dos contos de fadas para roubarem os finais felizes de suas histórias (arranca gargalhadas a reunião de tanta gente magoada com a vida). E conseguem, temporariamente. Quando voltam da jornada, Shrek, Artie, o Gato de Botas e o Burro Falante se deparam com o reino de Tão Tão Distante de cabeça para baixo. E aí temos a sequência final do filme.

Shrek Terceiro não é um filme ruim, é apenas o mais fraco da série. Mas, continua sendo um ótimo entretenimento. Acontece que é difícil manter o nível dos dois primeiros. Permanece encantador ver os dilemas de vida de um ogro que não sabe ser mau. 

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Quando dois é bom demais!

Tente imaginar um sucesso estrondoso, que quebrou todos os paradigmas de arrecadação para animações e colocou em cheque a credibilidade e liderança dos estúdios Disney. Agora, faça uma força e pense: seria arriscado ou não investir em uma sequência para este grande sucesso? A Dreamworks nem pensou duas vezes. Arriscaram. O resultado? Shrek 2 consegue a proeza de ser uma das poucas sequências com um roteiro e execução ainda melhores que o seu antecessor.

A receita foi simples. Pegaram tudo que deu certo no primeiro: efeitos técnicos como a mobilidade facial dos personagens, a técnica para fazer com quem elementos da tela parecessem reais (tecido do vestido da Fiona semelhante ao veludo, terra com aspecto de verdadeira etc), as inúmeras citações a outros filmes, piadas com artistas famosos etc. Somaram a isso tudo um roteiro fantástico, que humanizou todos os “artistas” do filme de uma vez e trouxe aquilo que eterniza um personagem de ficção: identificação com o público.

O filme começa pós interrupção do primeiro. Skrek e Fiona agora estão casados. A sequência de abertura que mostra a lua de mel do casal é sensacional. Como estrelas de um clipe, com a música “Accidentally In Love” (ouça a trilha sonora do filme no final do post) ao fundo, Fiona e Shrek fazem tudo que um casal normal gostaria de fazer. Tudo, obviamente, dentro do universo ogro.

Pois bem, como sempre a paz do nosso herói verde não dura muito. Se no primeiro episódio eram os personagens encantados que invadiam seu pântano, no segundo episódio da franquia são os sogros de Shrek que chegam para pertubar sua paz. O Rei e a Rainha, felizes com o casamento da filha, decidem dar um baile de gala para apresentar o novo membro da família real que governa o reino de Tão Tão Distante.

O que vemos a partir da chegada da comitiva ogra na cidade é uma sucessão de piadas da cultura pop (estão lá filmes como Homem-Aranha, O Senhor dos Anéis, Alien - o oitavo passageiro, E.T., Caça Fantasmas, Indiana Jones e Missão: Impossível, seriados de TV, músicas que marcaram época e até uma imitação das famosas transmissões de evento do canal E!). A rua principal do reino é uma réplica deliciosa da Rodeo Drive em Los Angeles, e o letreiro que apresenta Tão Tão Distante é uma paródia do famoso letreiro de Hollywood. Neste novo episódio entram novos personagens: Rei, Rainha, A Feia, Princípe Encantado e a Fada Madrinha. Todos, sem exceção, são muito bem construidos. O principal deles, que chega para provocar ciúmes no Burro Falante, é o Gato de Botas.

Shrek com PAVOR nos olhos!

Mas, o que há de melhor neste filme é assistir o pânico vivido por Shrek ao ter que enfrentar o julgamento dos seus sogros. Aliás, o ogro passa os quatro episódios da série sendo julgado, mas, convenhamos, não há nada pior na face do Planeta Terra do que enfrentar o olhar e todas as análises dos familiares da sua amada, ou amado. O pobre Shrek faz de tudo para agradar e se mete em todo o tipo de saia justa, até se vestir como um nobre da corte! A grande sacada da Dreamworks foi apresentar o ogro como um de nós: repleto de medo do julgamento, com medo de perder o amor verdadeiro por conta dos seus defeitos. Afinal, por mais amor que exista, todos sabemos que a hora H é aquela em que o sogro e a sogra fazem o sinal de “ok” e é uma maravilha acompanhar a epopéia do Shrek para conseguir o seu!

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O Ogro que todos amam!

“Sabe o que eu mais,admiro em você, Shrek? Você tem aquele ar de "tô pouco me importando com o que pensam de mim." Isso é legal, Shrek. :)” (O Burro)

A premissa é simples: um Ogro, que vive feliz no seu pântano, recebe, um dia, a visita de todas as criaturas mágicas. Elas foram expulsas por um sujeito chamado Lord Farquaad. Incomodado com aquilo, o Ogro Shrek vai até o lord e faz com ele um acordo: irá resgatar a mulher dos sonhos de Farquaad (a princesa Fiona) do alto da torre de um castelo e em contrapartida terá seu sossego de volta.

A partir disso, durante 90 minutos, vemos na tela um desfile de referências a tudo aquilo que era moda no início do século XXI. Fora que estão presentes todos os personagens mais famosos das histórias de conto de fadas. Shrek, o primeiro, juntou todos os integrantes dos Mundos Mágicos e misturou com piadas e elementos da cultura pop moderna. Uma sacada genial do estúdio Dreamworks (dos magos Steven Spielberg e George Lucas). O filme mudou o jeito de se fazer desenhos animados. Com piadas ácidas e inteligentes a produção se tornou atrativa para adultos e crianças.

Shrek é o personagem mais politicamente incorreto do cinema. Sua primeira aparição na tela é usando o banheiro. Mas, por incrível que possa parecer, as cenas escatológicas são muito engraçadas e feitas na medida certa. O herói Ogro é um cara de bem com a vida, com sua condição e que não abaixa a cabeça para nada nem ninguém, mesmo vivendo, teoricamente marginalizado, pela “sociedade encantada”. Logo no início do filme, Shrek encontra aquele que vai fazer com ele uma das melhores duplas da história do cinema: O Burro falante. A versão legendada é feita com a voz de Eddie Murphy – impossível não rir com cada frase, o bichano é um frasista nato!

O filme inovou ao usar uma linguagem de imagens muito próxima a de uma produção de não animação. Famosa a cena em que a Fiona luta contra os homens do Robin Hood, em plena floresta. A cena é toda inspirada em Matrix. O imenso sucesso do primeiro filme transformou Shrek em uma quadrilogia. Outras técnicas, que são utilizadas em larga escala nas animações atuais, foram introduzidas através da animação: uma ferramenta que permite criar camadas de pele e ossos nos personagens e faz com que eles tenham expressões humanas. A outra, denominada Fluid Animation System, produz texturas dentro da animação. Ou seja, a terra parece de verdade, o tecido do vestido da princesa Fiona parece veludo e assim por diante.

O que há por trás do Ogro? Um tapa na cara dos estereótipos do príncipe encantado que o estúdio Disney (grande rival da Dreamworks), durante anos e anos, tentou enfiar goela abaixo de todos nós (o filme avacalha com os personagens mais encantadores dos contos de fadas). Shrek está muito mais próximo de qualquer par que um dia venhamos a ter do que qualquer príncipe montado num cavalo branco. E o que é melhor: o princípe Ogro é um fofo de marca maior. 

Trilha sonora do filme. Clique no "play" e ouça.