ET do Spielberg é sempre bom!

Não é de hoje que o selo de qualidade Spielberg produz filmes com uma temática alienígena. E.T – O Extraterrestre está aí para pontuar a questão. Acontece que numa de suas mais famosas incursões pelo universo de “fora da Terra”, Spielberg fez mais uma fábula sobre aceitação e amizade: um menino (filho de pais separados), esquisito, rejeitado, que conhece um alien, o abriga e precisa aprender a conviver com as diferenças, até que dessa relação surge uma linda história de amizade. Agora, como produtor, o grande mestre do cinema americano vê seu pupilo J. J. Abrams fazer uma grande homenagem ao cinema de suspense.

Super 8 é um filme de gênero. E isso não é vergonha, porque ele assim se assume desde o início, e dentro do contexto em que a narrativa acontece absolutamente tudo nos remete aos grandes suspenses de aventura que povoaram nossas telas na década de 70 e 80. Mas, em que pese as inúmeras e fantásticas sequências de tensão e perda de folego que temos o prazer de assistir, Super 8 ainda se estabelece como um filme que busca um certo sentido para os grandes conflitos da humanidade. Temos uma relação conturbada do protagonista com seu pai, uma família destruída pela falta de amor, outra por uma fatalidade, crianças esquisitas, jovens apaixonados, perda da confiança, sua reconquista...e bota muita reticência aí.

A história é clássica: um grupo de crianças, fanáticas por filmes de terror, vive os dias entre o colégio e as fimagens de uma produção amadora em super 8. Em uma noite, decidem ir para uma estação de trem, afim de usá-la como locação da obra. Lá testemunham um acidente gigantesco com um trem e um carro que se choca contra ele. Cada um corre pra um lado, mas a pequena câmera Super 8 filma tudo. Mais adiante, nós e dois dos meninos somos apresentados aos conjuntos de quadros filmados. Nada que nos surpreenda tanto, porque nessa altura do campeonato já mais do que sabemos do que se trata o grande mistério. São muitos sustos. Em um deles, dei um salto mortal, estilo “duplo twist carpado”, e assustei por tabela a minha mãe que cochilava ao meu lado.

A escolha do elenco foi muito bem feita. Joe Lamb o jovenzinho que é filho do delegado da cidade e fio condutor da história é interpretado pelo garoto Joel Courtney (a cara de criança adulta é perfeita para um personagem que tem uma história trágica para contar), outro destaque vai para a razão do afeto do menino Joe: a “atriz” do filmete em super 8, Alice Dainard, interpretada com maestria pela jovem Elle Fanning, irmã mais nova (e parece que mais talentosa) da já famosa Dakota. Falar sobre a qualidade técnica do longa é “chover no molhado”. Um filme com a produção do gênio não tem como sair com menos do que nota 9 no assunto. Fora isso, Super 8 é desses filmes para chamar os amigos, fazer pipoca em grande quantidade, comprar refrigerante e tomar muito susto. No fim, os conflitos são resolvidos com o grande jogo de imagens + ótima trilha sonora + excelentes interpretações.

Cinemão do melhor estilão, vindo diretamente de Hollywood, para nos entreter!

Se você está depressivo, dê abrigo para um Chinês. Vai passar!

O cinema feito na Argentina produz de tudo. Filmes de arte, independentes, comerciais, comédias, aventura, fantasias, românticos etc. Quase todos, quase sempre, mostrando a cidade de Buenos Aires, ou lugares importantes da história do país. Nenhum deles deixa de exaltar o que há de bom no traço bem peculiar do povo, tampouco de falar sobre mazelas e coisas que não dão certo pelas bandas de lá.

Sebastian Borensztein é o diretor desta comédia dramática que conta a história de como o acaso na verdade nunca é acaso. Roberto, abrimos aspas para falar do “sensacional Ricardo Darín”, é um adulto metódico, solitário, turrão, ranzinza, porém deliciosamente doce quando o calo dos outros aperta, além de ter um humor negro de primeira. A mãe morreu quando jovem (e Roberto estranhamente cultua sua progenitora num altar, onde coloca um presente sempre que ela “faz aniversário”) e o pai pouco tempo depois. Roberto é o tipo de pessoa que conta quantos pregos existem na caixa, para saber se a informação é fidedigna, ou que dorme todo dia no mesmo horário (23:00h). Pois bem, ele acredita piamente que o acaso é que comanda a vida das pessoas. Por conta disso, coleciona histórias impossíveis de acreditar – compra jornais de várias localidades para achar relatos fantasiosos, porém reais, sobre a vida de gente que não conhece.

Um belo dia, quando está sentado perto de uma pista do aeroporto de Buenos Aires, um chinês é jogado de um táxi e cai diante dos seus olhos. O rapaz, de nome Jun, não sabe falar uma única palavra em castelhano, além de não entender nada. O jovem chinês saiu do seu país depois que uma tragédia inacreditável se abateu sobre sua vida: no momento em que ia pedir a mão de sua noiva uma vaca caiu do céu exatamente em cima da sua amada. Sem motivos para permanecer em sua cidade ele vem tentar vida nova em outro país, e, para isso, precisa encontrar seu tio. O périplo que une o ranzina Roberto e o doce Jun é o que comanda a história. E é nessa busca que o acaso deixa de ser acaso e acaba transformando a vida de ambos.

Cena preferida: Jun descobre o Doce de Leite argentino!

Um bom número de cenas interessantes aparece no filme. A sequência inicial, da vaca caindo do céu é excelente. Em outro momento, dentro de uma delegacia, Roberto dá uma lição de moral em um dos policiais – “duro é ter que ver uma servidor público me tratando desta maneira”. Lá pelas tantas, em plena embaixada da China, ele vocifera: “bilhões e bilhões de chineses no Mundo e não existe um para me atender?”. Ainda há uma das sequências mais legais, em que Roberto apresenta o doce de leite argentino para Jun. Ele diz: “prove, se chama doce de leite, vocês se esqueceram de inventar isso, então, nós argentinos, inventamos. É o melhor do Mundo”. Pode ser mais argentino? Uma bossa super interessante é que o diretor preferiu não traduzir nenhuma fala em chinês. Nós ficamos tão perdidos quanto Roberto. Quando ele precisa entender algo (e nós também), surge alguém que fala a língua e nos esclarece tudo.

Se o famoso Juan Jose Campanella (do antológico O Segredo dos Seus Olhos) é O Diretor do cinema argentino moderno, Ricardo Darín é O Rosto. Está perfeito! Ignacio Huang é Jun e empresta para ele toda a capacidade de interpretar sem falar. Ainda mais porque Jun é um sujeito contido, introspectivo. Interpretar alguém que quase não fala durante o filme, que é tímido (portanto, de poucos gestos) e ainda assim nos emocionar é sinal de muito talento. Nascido em Taiwan, o ator desenvolveu toda a carreira artística na Argentina.  

Um Conto Chinês é um daqueles filmes que nos abraça, e nos leva para um lugar só dele. Depois somos devolvidos com um sorriso no rosto!

Quando o amor resiste até a uma auto-sabotagem!

Livros que amamos e são adaptados para o cinema resultam em filmes que geralmente nos decepcionam. Essa máxima é realmente dificil de reverter porque, de fato, um livro bom possui a calma necessária que uma boa história precisa para ser contada. A linguagem cinematográfica exige que algumas nuances extremamente interessantes saiam de cena, em nome do bom ritmo e da montagem enxuta (para que o filme não passe daqueles 90/120 minutos que são padrão nas salas de cinema – muito por culpa dos próprios cinéfilos, que não tem paciência para filmes muito longos – o mercado molda tudo).

Assim sendo, Um Dia, adaptação para o cinema do best seller mundial de David Nicholls, consegue emocionar até mesmo quem amou o livro. Não é o que poderia ser, mas é muito bom. Confesso que necessitava ver a personificação de um casal sensacional nas telas: Dexter e Emma. Além disso, para a Emma, escolherem a incrível Anne Hathaway (que me convenceu no sotaque inglês). A aposta para Dexter foi no desconhecido Jim Strugess, e foi um acerto. Ele personifica o rapaz debochado, senhor de si, que se envolve com mulheres, drogas, leva uma vida fútil, para encontrar a maturidade depois.

O filme é totalmente fiel ao livro. Totalmente. Apenas omitiu algumas muitas cenas. Nada que deixasse a história com um buraco, mas bem que poderia ser um pouco menos ligeiro. Para quem não sabe: Dexter e Emma se conhecem no último dia de aula na faculdade. Passam a noite juntos. Se beijam, mas não fazem sexo. É um dia 15 de Julho de 1988. A partir daí, o filme (assim como o livro), motra os 20 dias 15 de Julho subsequentes nas vidas de ambos. Sempre, mesmo que afastados, algo acontece na relação dos dois. Emma é o oposto de Dexter. E nunca a história de que opostos se atraem foi tão verdadeira. Acontece que eles não concretizam a história de amor de uma vez.

O sentimento que move os dois é, de fato, amor! Mas não é, durante todos os anos, o amor romântico que estamos acostumados quando falamos num casal. Ele possui variações e, talvez, sejam elas que fazem os dois não viverem juntos, como casal, a maior parte do tempo.  Tanto o livro, quanto o filme, mostram que essa ideia de juntos e felizes para sempre é de fato uma utopia. As oscilações são comuns em qualquer ser humano. O filme, na verdade, fala sobre como manter um sentimento por alguém durante tantos anos, mesmo que ele não seja correspondido. E fala também como, as vezes, não vemos que aquela pessoa (“a pessoa”), que pode nos fazer feliz, fica, anos e anos, jogada num canto e só depois conseguimos enxergar.

Vi o filme com uma grande amiga, que me mandou um visão bem interessante sobre como enxergou tudo. Ela também leu o livro:

“Após ler o livro tive uma visão totalmente melancolica...e agora que vi o filme tive outra visão. O filme me passou o seguinte: o grande amor da sua vida.. a tampa da sua panela, pode estar do seu lado e vc nao vê. Como foi com o Dex, ele demorou a perceber que a Em era mais que uma amiga. E quando viveu tudo q tinha pra viver, já cansado e velho, percebeu que o seu grande amor estava ali o tempo todo. E ai fico pensando, se ele tivesse ficado com ela lá em 1988 poderia ter sido muito mais feliz na vida. Então o negócio é o seguinte: vamos parar de reclamar e cuidar de amar os nossos grandes amores até quando for a hora. E aqueles que receberem como saldo de um grande amor, uma grande amizade devem cuidar muito bem dela, porque se o resultado é esse então existe merecimento”.

A transcrição, além de homenagem, tem a ver com o fato de que concordo com tudo. Nem eu mesma analisaria tão bem a mensagem que podemos tirar como aprendizado (parece forçado querer aprender com livros e filmes, mas a gente aprende, hein). Gostei muito do livro, tanto que queria ter um filme que fosse fiel em tudo, e que durasse mais de três horas. Uma história de amor, que dura anos e anos, que sobrevive, mesmo que uma das partes sabote a relação, merecia um épico de 5 horas! Mas, já que não temos, recomendo o livro e depois o filme! Garanto que Em e Dex, Dex e Em, mudarão seu modelo de Casal 20. 

Os brinquedos também amam!

Se em Toy Story, o primeiro, a trama girava em torno do encontro entre Woody e Buzz, e o consequente ciúme que surgiu entre eles, o final já nos dava a dica que no segundo filme da saga o mote seria outro. Aqui já não falamos mais de ciúmes e os conflitos que são gerados por eles, agora o tema central é o sentimento de abandono, tão comum em todos nós.

Prestes a ir para um acampemento de férias, o garoto Andy segue brincando com seu cowboy preferido, Woody. Antes da viagem, porém, o boneco sofre um rasgo no braço e o garoto tem que deixá-lo pra trás. Mesmo com a fatalidade, Woody sente que seu dono cresce, e percebe que esse crescimento provoca uma necessária mudança de interesse. Isso faz surgir no boneco um sentimento de abandono e não-pertencimento. Quando vê seu amigo, o boneco Wheezy, ser levado para uma venda de garagem, Woody resolve salvá-lo, mas acaba sendo sequestrado por Al, um colecionador obcecado. No cativeiro ele conhece sua história (é o brinquedo representante de uma série de grande sucesso na TV) e revê parceiros de programa como Jessie e o cavalo Bala no Alvo. No meio dessa onda depressiva do cowboy, o Patrulheiro das Galáxias (!!!) Buzz Lightyear monta um grupo para resgatar Woody.

O número dois da trilogia apresenta um grande número de sequências de perseguição fora do âmbiente caseiro. Vemos os bonecos desfilando pela cidade, algo que seria comum no último episódio da série. Em que pese as ótimas cenas de aventura, um dos momentos mais emocionantes do filme é ver Jessie contando como era sua vida com a antida dona, uma história marcante para a gente e para os brinquedinhos do filme. É no segundo episódio que eles percebem que não terão uma vida de "brincadeira” e felicidade plena para sempre. Por incrível que possa parecer, é no filme Dois, que a Pixar ensina aos brinquedos como eles devem crescer. Um ensinamento que, obviamente, deve ser entendido por nós.

Seguem as referências aos grandes sucessos do cinema como Robin Hood, Laranja Mecânica e Star Wars. O filme ganha cores até então inimagináveis para uma animação gráfica. Folhas, vento, cabelos, tudo aparece com maior realismo. O salto já é impressionante. Um verdadeira revolução na animação. Como se isso, por si só, já não fosse o suficiente, a produção da Pixar apresenta um monte de cenas inesquecíveis. Uma delas precede o clipe com a música que foi indicada ao Oscar de Melhor Canção Original em 2000 - "When She Loved Me" de Randy Newman.

Muita gente, e eu me incluo, acredita que a sequência mestre do filme é aquela em que Jessie conta como sua vida era feliz quando alguém a amava. Na verdade, não é só a vida da Jessie, né? A necessidade de amor, a nostalgia que a perda dele provoca e todas as nuances que envolvem esse sentimento estão presentes no filme. Com a Pixar a gente aprende que amor faz falta até para os brinquedos. Bravo!

Como tratar crianças rebeldes?

Em Londres, no início do século XX, os pais de Jane e Michael Banks certamente se fazem essa pergunta. As duas crianças que, como todas as outras, são sapecas, estão deixando a família em apuros. O drama da vez é a falta de babá. Nenhuma se adaptaria, simplesmente, após a antiga ter desistido do trabalho. Os meninos fizeram de tudo pra enlouquecê-la, e ela não agüenta a pressão de tentar domar duas ferinhas. No dia seguinte, já cientes da situação desesperante, o Sr. e a Sra. Banks fazem um anúncio no jornal procurando outra empregada. Ao mesmo tempo, os filhos escrevem um anúncio de como seria a babá ideal para eles. A cartinha é queimada, mas, misteriosamente, os pedaços chegam até as mãos de Mary Poppins (Julie Andrews), acima das nuvens. Outras candidatas até aparecem, mas sublimam antes de serem entrevistadas. A nossa heroína chega então da maneira menos convencional possível - usando um guarda-chuva como pára-quedas. E a cena clássica do cinema já deixa delineada a personalidade da mais famosa e querida babá de todos os tempos: no mínimo, uma babá super poderosa.

- Olha, Michael!

- Talvez seja uma bruxa.

- Claro que não, bruxas têm vassouras.

- É ela! Nossa babá! Veio em resposta ao nosso anúncio!

- E ela tem aparência caprichada.

Aos poucos, Mary Poppins vai mostrando às crianças como é fácil cumprir ordens e preceitos sem que a vida seja chata. Para isso, usa de mil estratégias, todas embaladas ao som de canções deliciosas. Algumas se tornaram clássicos e remetem rapidamente ao filme, como é o caso de “A Spoonful of sugar”. Nesse momento do filme, a babá mágica ensina aos seus pupilos como é fácil esquecer que as coisas ruins são ruins. “Com um pouco de açúcar qualquer remédio passar a ser bem gostoso de tomar.” Dessa maneira, torna as obrigações do dia-a-dia mais aprazíveis, como arrumar o quarto ou fazer as lições de casa. “Podem notar que o passarinho, quando vai fazer seu ninho, não pode nunca descansar. Mas ele sabe muito bem que se tiver o que cantar, será bem mais fácil trabalhar.” A babá conta com a ajuda ainda de seu amigo Bert, que toca vários instrumentos, dança, desenha, empina pipas e faz tudo o que toda criança adora e, com ela, leva Jane e Michael a lugares inimagináveis em seus melhores sonhos. Sempre otimista, é o coadjuvante da dupla dinâmica do filme.

- Ah, Bert, seus desenhos foram destruídos pela chuva.

- Quem fez esses pode fazer mais. Por enquanto eu vou mudar de ramo, este tempo está bom para outra atividade.

O filme, à parte de todo o sucesso que fez e ainda faz, carrega consigo o brilho de uma estrela que, ainda hoje em dia, fascina em Hollywood. Foi na pele de Mary Poppins que Julie Andrews estreou no cinema e, logo de cara, ganhou um Oscar de melhor atriz, em 1964. A atriz, até então exclusividade dos palcos, mas já de grande sucesso, foi contratada por ninguém menos que Walt Disney, e tornou-se assim figura indissociável dos grandes musicais do cinema. A produção carrega consigo também outras quatro estatuetas (Melhores Efeitos Visuais, Melhor Edição, Melhor Canção Original e Melhor Trilha Sonora substancialmente original), além de ter sido indicada em outras oito (Melhor Direção de Arte – colorido, Melhor Fotografia – colorido, Melhor Figurino – colorido, Melhor Diretor, Melhor Filme, Melhor Som, Melhor Roteiro Adaptado e Melhor Trilha Sonora Adaptada). Venceu também prêmios como o BAFTA, o Globo de Ouro, o Grammy Awards e o Prêmio Eddie. O longa-metragem colorido, de 140 minutos, certamente mereceu toda o rebuliço que causou em sua época e toda a fama que possui ainda hoje.

“As pessoas perfeitas não permitem que os sentimentos mudem sua forma de pensar.” Diz Mary Poppins, tentando parecer insensível ao se despedir de sua missão e partir em seu guarda-chuva.

Mary Poppins é, pra quem ousar entender, “supercalifragilistexpicialidocious”.

Ser humano mesmo nas piores condições.

"Ocupe-se de viver ou ocupe-se de morrer"

“Lembre-se, Red, a esperança é uma coisa boa. Talvez a melhor coisa. Tudo o que é bom nunca morre. Espero que encontre esta carta e espero que esteja bem. Seu amigo. Andy."

Condenado a uma pena dupla de prisão perpétua pelo assassinato de sua mulher e do amante dela, o jovem banqueiro Andy Dufrense é enviado em 1946 à penitenciária Shawshank, na Nova Inglaterra. Lá, ele faz amizade com Ellis “Red” Redding, que controla o mercado negro do presídio, onde cumpe pena há 20 anos. Com o tempo, a habilidade de Andy para lidar com finanças abre algumas portas – e fecha outras. Dentro da prisão Andy só tem um sonho: a Liberdade! E é por ela que ele trabalha todos os dias dentro do confinamento.

Acontece que no meio disso tudo ele aprofunda sua relação com Ellis. Exatamente quando a relação de amizade começa é que Um Sonho de Liberdade se torna obra-prima. A sintonia entre Tim Robbins (que vive Andy) e Morgan Freeman (que vive Ellis) é fantástica. Em certo momento, a gente começa a achar que os dois são realmente presidiários que descobrem a amizade verdadeira dentro de uma penitenciária de segurança máxima, no meio de bandidos “de verdade”!

"Algumas vezes fico triste que Andy tenha ido embora. Tenho que me lembrar que alguns pássaros não nasceram para gaiola. Suas penas brilham demais. E quando eles fogem, a parte em você que sabia que prendê-los é pecado, fica feliz. Ainda assim o lugar onde a gente vive fica mais vazio e sem vida sem eles. Acho que estou com saudades do meu amigo"

Desde que assisti o filme pela primeira vez, lá no longínquo ano de 1994, ele se tornou um dos meus preferidos. É uma obra-prima sobre amizade, esperança, fé, perseverança e algo como manter o caráter em lugares e situações penosas. O filme foi indicado para inúmeras categorias do Oscar. Não ganhou porque era o ano de Forrest Gump. Mas, sem dúvida, é um filme muito menos datado do que o próprio Forrest. A linguagem que une os dois protagonistas é universal e inteligível por todo ser humano que já teve sua vida revirada por um acontecimento e precisou se reerguer no lugar mais insólito possível, descobrindo um sentimento verdadeiro quase como um milagre.

[Responsável pela condicional] "Ellis Boyd Redding. Sua ficha diz que já cumpriu 40 anos da prisão perpétua. Está regenerado?"

[Red] "Regenerado? Bem, vamos ver. Não tenho a mínima ideia do que seja isso" [Responsável pela condicional] Significa que está pronto para se reintegrar à sociedade... [Red] "Sei o que acha que significa, filho. Para mim é uma palavra inventada. Uma palavra dos políticos para que jovens como você possam vestir terno e gravata e ter um emprego. O que quer saber de verdade? Se me arrependo do que fiz?"

[Responsável pela condicional] "Está arrependido?"

[Red] "Não há um único dia em que não me arrependa. Não é porque estou aqui ou porque você acha que eu deveria. Ao recordar do passado, vejo um jovem, um rapaz idiota que cometeu um crime horrível. Tento falar com ele. Tento passar um pouco de juízo para ele. Ensinar como são as coisas. Mas não posso. Aquele garoto não existe mais. O que sobrou foi esse velho aqui. Tenho de conviver com isso. Regenerado? É uma palavra de merda. Então, filho, carimbe os seus formulários, porque não quero mais perder tempo. Pois para falar a verdade estou pouco ligando."

O título em inglês fala em “Redenção”. E, de fato, é uma redenção! Uma segunda chance para Andy. Para que ele possa fazer certo desta vez. A descoberta da vida por Ellis. É o velho “Red” Redding, aliás, que nos dá uma lição de amor pela vida. Apesar do discurso cru para o responsável pela condicional, quando em lliberdade, Ellis descobre que a vida é cheia de surpresas e, apesar de dizer que não está nem ligando, resolver se dar a chance de ser feliz.

Perdi a conta das inúmeras vezes que vi Um Sonho de Liberdade. Acontece que cada vez que vejo sinto uma sensação agradável. É um filme que faz bem, que não é piegas. São pessoas com a alma calejada, que vivem no limite do que é ser humano, mas que, mesmo assim, conseguem alcançar aquele traço tão encantador, que nos diferencia de outros seres vivos. Conseguem agir com amor, fidelidade e respeito. Conseguem ser solidários e gratos. Emergir melhor de um lugar pior é para poucos. Um Sonho de Liberdade fala de dois homens que conseguiram esse feito. 

Quem me dera ser um peixe-palhaço!

- Ôô enfezadinho do oceano! Se a vida decepciona, sabe qual a solução?

- Não, não sei a solução!

- Continue a nadar, Continue a nadar, Continue a nadar, nadar, nadar, pra achar a solução nadar, nadar...

Merlin é um peixe-palhaço que vive com seu filho, Nemo, no fundo do oceano, eles habitam a Grande Barreira de Coral. Extremamente protegido pelo pai, por conta de ter sido o único filho que sobreviveu a um ataque de tubarão, Nemo sonha em conhecer o oceano e descobrir coisas novas na vida.

Um belo dia, desacatando a ordem do pai, o pequeno peixinho é capturado e levado para um aquário na cidade de Sydney. Em pânico, ao ver o filho ser levado diante dos seus olhos, Merlin começa uma caçada por pistas. E é aí que começa, também, a nossa diversão. Na sua jornada, Merlin encontra tartarugas marinhas surfistas, tubarões vegetarianos e uma das personagens mais hilárias do cinema: Dori, uma peixinha que sofre de perda de memória recente.

- Dori, ta vendo alguma coisa?

- AI, alguma coisa me pegou!

- Calma Dori, sou eu!

- Quem taí?

- Sou eu Dori!

- Vc é a minha conciência?

- É, é, sou eu, sou eu. Ja faz um bom tempo que a gente não conversa, como vai?

- Bem, não dá pra reclamar!

- Agora Dori, me diga, ta vendo alguma coisa?

- To vendoo, to vendo uma luz! Ô conciência, eu morri?

A partir do momento da separação do pai e do filho, a ação transcorre em dois lugares: o oceano, com as peripécias da dupla Merlin e Dori (mais uma das duplas da Pixar) e num aquário particular, dentro de um consultório dentário, em Sydney. Longe do pai, Nemo se vê diante de um grupo de peixes que não possuem mais grandes ambições na vida. Porém, com muita coragem, ele começa a mudar a cabeça de todos a sua volta.

Mas é no oceano que a nossa diversão não tem fim. As piadas feitas com Dori, por conta da sua perda de memória, são motivo de muita risada. Muita mesmo! A personagem é tão bem construída que seu nome virou sinônimo de gente esquecida. A sequência que ela fala baleiês e a forma doce e alegre com que leva a vida, mesmo tendo uma doença aparentemente limitadora, é exemplo para todo mundo. Pequenos e adultos!

"Prooocuraaaaando Neeeeemo, oooonde é queeee eeeele eeeestá? Eeeeu queeeeero saaaaaber coooomo cheeeegar láááá." (em baleiês)

O tom politicamente correto dos filmes produzidos pela Pixar está presente. O peixe herói Nemo tem uma deficiência física (uma das nadadeiras é menor do que a outra) e durante todo o momento é ressaltado que nem este aparente problema pode ser impedimento para sua felicidade. Explorar o diferente sem cair no clichê boboca, aliás, é uma das especialidades da Pixar. Outra especialidade é o trato visual, a sensação de profundidade e o tom realístico das paisagens. Pois em Procurando Nemo estas carcterísticas chegaram próximas da perfeição. A paisagem de Sydney é deslumbrante. Fora que temos a exata certeza de que o oceano mostrado no filme é de verdade. Outro ponto interessante são as brincadeiras com clássicos do cinema. No filme, é antológica a cena que lembra o filme Pássaros de Alfred Hitchcock, com pombos perseguindo os personagens principais.

Procurando Nemo é um clássico. Personagens inesquecíveis e uma história que será sempre legal de ver. Superação, amizade verdadeira, entendimento das diferenças, tudo que é importante para levarmos a nossa vida, seja dentro do oceano ou em terra firme.

Continue a nadaaaarrrrrr, pra achar a solução!

Quando a amizade é forte e verdadeira, ela surge de onde não se espera, e transforma vidas de maneira irreversível.

- Esperava que viesse. Minha colega, a senhora Otis, me disse para ficar e ver a família dela, mas agradeci, achando que teria minha própria visita, e aqui está você. Bem, sente-se.

- Obrigada.

- Donuts. Não pode ficar sem?

- Sirva-se, Senhora Threatgoode.

- Obrigada.

- Como vai sua amiga?

- Sra. Otis? Bem, não muito bem. Parece que ainda não voltarei para casa e sinto por isso. É estranho o que você sente falta quando está longe de casa. Sinto falta do cheiro de café e do bacon frito. O que eu não daria por um prato de tomates verdes fritos, igual ao que tínhamos no café.

Evelyn Couch, interpretada fabulosamente por Kathy Bates, é uma dona de casa americana, que, no inicio dos anos 1990, vive reprimida e subjugada ao marido, Ed. Evelyn sempre acompanha o esposo ao hospital, onde ele vai visitar uma tia adoentada, e lá é sempre muito maltratada. Por isso, começa a esperar pelo marido do lado de fora. Em uma dessas visitas, Evelyn conhece Ninny Threadgoode (Jessica Tandy), uma senhora já idosa, que vive internada naquele hospital e que começa a contá-la as aventuras de uma jovem nos anos 1920 e 1930, a espevitada e rebelde Idgie.

- Acho que para compreendermos Idgie, devemos voltar ao seu irmão, Buddy. Idgie era o xodó de Buddy desde o dia em que nasceu:

- Acho que para compreendermos Idgie, devemos voltar ao seu irmão, Buddy. Idgie era o xodó de Buddy desde o dia em que nasceu:

“- Já lhe falei das ostras?

- Ostras?

- Não falei das ostras?

-Não.

- Pense nas milhares de ostras lá no oceano. Então, um dia, Deus veio e viu uma delas, e disse: ‘Acho que farei esta ser diferente.’ E sabe o que ele fez? Ele pôs um grão de areia dentro dela. E adivinhe o que ela pôde fazer e as outras não?

- O quê?

- Uma linda pérola.

- E se Deus cometeu um erro?

- Bem, do jeito que imagino, Ele nunca erra. Ele assegurou que estivéssemos juntos. Ele fez com que tivesse o mais belo e mais charmoso irmão do mundo.”

O filme se constrói duplamente – duas histórias se sucedem simultaneamente. Em um retrato contemporâneo, a história de amizade que surge entre Evelyn e Ninny, que é alimentada por biscoitos feitos por Evelyn e pela história que Ninny conta, um pouquinho a cada semana. A outra história é a relatada por Ninny, segundo ela, uma aventura real da vida de uma parente. A história de Idgie, uma menina e, depois, uma mulher completamente alheia ao seu tempo, que veste calças, bebe, fuma, freqüenta lugares sujos, faz amizade com negros e pobres e convive com homens, em pleno início de século XX, nos Estados Unidos, país então preconceituoso ao limite. É também a história de Ruth Jamison (Mary-Louise Parker), primeira namorada de seu irmão, Buddy (Chris O'Donnell), e, com o tempo, sua melhor amiga, companheira de vida e também sócia no restaurante onde vendem o prato tão comum do sul do país: tomates verdes fritos.

A maneira com que Ninny fala de Idgie, de sua personalidade forte, de seus desejos, de sua maneira única de ver o mundo vai, de semana a semana, condicionando Evelyn a confiar mais em si mesma. Tomando para si as rédeas de sua vida, começa a se impor perante o marido, a ser mais firme em seus desejos e vontades e, sobretudo, a se amar mais como mulher, agora sob o alter ego chamado “Towanda”. Idgie se torna uma espécie de amuleto na vida de Evelyn, e a inspiração que ela pretende seguir.

- Nunca perdi a razão, Sra. Threatgoode, nunca. Pela minha criação, isso é falta de educação. Bem, perdi a razão e senti-me ótima. Senti que podia bater naquelas picaretas – desculpe-me as palavras – bater até esmigalhar, bater até pedirem piedade. Towanda, a vingança. E depois eu exterminaria todos os picaretas do mundo, como os homens que batem nas esposas, como Frank Bennett, e atiraria em seus órgãos genitais. E Towanda continuará com isso. Porei bombinhas na Penthouse e na Playboy, assim explodirão ao abrir a revista. Banirei todas as modelos que forem magras. Vou pesar menos de sessenta quilos e darei metade do orçamento militar para as pessoas co m mais de 65 anos. E vou declará-las sexualmente atraentes. Towanda, a reparadora dos erros, a rainha sem comparação.

- Quanto hormônio está tomando, querida?

À princípio, o grande elo entre as duas histórias vai além do fato de Ninny ser a narradora de uma e personagem da outra. Ambas têm como assunto principal amizades profundas entre mulheres. Amizades que às vezes transpõe a barreira do individualismo, e a história de uma se mescla a da outra, e o que constroem, à partir de então, é uma vida em conjunto. Assim como Evelyn é a amiga que distrai e preenche o tempo de Ninny, Ninny é quem mostra a Evelyn seu potencial enquanto mulher. Da mesma forma, Idgie é quem salva vida de Ruth, tirando-a das garras de um marido violento. E Ruth retribui enchendo a vida de Idgie de motivos de felicidade, e compartilhando com ela a criação de um filho. Há quem diga que o segundo caso sugira um amor homossexual, mas isso não é o que dita o tom: o filme fala mesmo de amor enquanto companheirismo, amizade.

- Faria uma coisa pra mim?

- Qualquer coisa.

- Seja boa consigo mesma. Mesmo se... Fique calma até mesmo se encontrar alguém que derrote-a no pôquer.

- Há tanta coisa que quero lhe dizer.

- Não. Adoro suas histórias. Conte-me uma de suas histórias, Idgie. Vamos, encantadora de abelhas. Conte-me uma fábula. Conte aquela do lago.

Um filme de histórias lindas, de muito carinho e de, sobretudo, uma visão feminina do mundo e das relações. A idéia de que toda relação envolve troca, de que em todo momento muito se dá e muito se recebe. Fica então a questão para avaliarmos: será que somos inteiros em nossas relações? Será que nos damos, sem esperar nada em troca, aos nossos amigos e amores? O que recebem de nós é suficiente ou estamos sempre censurando o que podemos ou não fornecer? Acho que a resposta é mais do que simplesmente dizer sim ou não, é comprometer-se a ser por inteiro, até o final.

            

Seria legal se a vida fosse mesmo como uma caixa de chocolates!

  

- Quer se casar comigo? Eu seria um bom marido, Jenny.

- Claro que seria, Forrest. Mas você não vai se casar comigo. Melhor não querer se casar comigo.

- Por que você não me ama? Eu não sou inteligente, mas sei o que é o amor.

Forrest Gump é um garoto do Alabama que tem um QI abaixo da média. Criado pela mãe, com diversas frases de efeito, ele se torna um adutlo sensível, ingênuo e com uma incrível propensão para estar nos lugares certos na hora certa. Ele vira um ídolo americano ao salvar um pelotão na Guerra do Vietnã e realizar inúmeras façanhas no esporte, entre outras proezas. Nos 40 anos de hsitória que ocorrem na tela, acompanhamos as idas e vindas de Forrest em momentos cruciais da história mundial.

“Mamãe sempre dizia que a gente deve pôr o passado para trás antes de continuar em frente. Acho que foi por isso que corri tanto. Eu corri por 3 anos 2 meses, 14 dias e 16 horas."

Gump é um bobo abençoado. Um belo dia, na pensão da sua mãe ele ensina alguns passos de dança a um hóspede chamado Elvis; presencia a invasão do edifício Watergate, fato que provocou a renúncia do presidente Nixon em 1972; representa os EUA em competições esportivas no auge da Guerra Fria; faz fortuna com barcos de pesca na época em que o setor está “quebrado” e, ainda por cima, investe em uma empresa que tem como logomarca uma maçã.

O bom-mocismo do personagem que contrasta com sua falta de inteligência é um retrato que o diretor Robert Zemeckis quis fazer de uma grande parcela da população americana. Forrest traduz a figura do americano simples, sem grandes aspirações. A produção venceu 6 prêmios do Oscar de 1995, incluindo melhor filme, melhor diretor e melhor ator para Tom Hanks. É um épico moderno que utiliza os efeitos especiais para o bem da história, para tornar ela possível.

“Eu não sei se mamãe está certa, ou se o Tenente Dan é que está. Não sei se cada um tem um destino ou se só flutuamos sem rumo, como numa brisa...mas acho que talvez sejam ambas as coisas. Talvez as duas coisas aconteçam ao mesmo tempo.”

A forma como Forrest enxerga a vida e se resigna com os acontecimentos que giram em torno dele nos faz pensar para que serve um QI alto. O que é melhor? Ter alguem leal, gentil e sincero por perto ou ter um gênio cheio de “não me toques”? A simplicidade de Forrest é alentadora num Mundo onde o que importa, cada vez mais, é a capacidade intelectual de um indivíduo. Filmes como esse nos fazem perceber que somos muitos mais do que neurônios. Somos feitos de outras coisas que não só o cérebro. As vezes é muito bom só sentir e viver.

O Ogro que todos amam!

“Sabe o que eu mais,admiro em você, Shrek? Você tem aquele ar de "tô pouco me importando com o que pensam de mim." Isso é legal, Shrek. :)” (O Burro)

A premissa é simples: um Ogro, que vive feliz no seu pântano, recebe, um dia, a visita de todas as criaturas mágicas. Elas foram expulsas por um sujeito chamado Lord Farquaad. Incomodado com aquilo, o Ogro Shrek vai até o lord e faz com ele um acordo: irá resgatar a mulher dos sonhos de Farquaad (a princesa Fiona) do alto da torre de um castelo e em contrapartida terá seu sossego de volta.

A partir disso, durante 90 minutos, vemos na tela um desfile de referências a tudo aquilo que era moda no início do século XXI. Fora que estão presentes todos os personagens mais famosos das histórias de conto de fadas. Shrek, o primeiro, juntou todos os integrantes dos Mundos Mágicos e misturou com piadas e elementos da cultura pop moderna. Uma sacada genial do estúdio Dreamworks (dos magos Steven Spielberg e George Lucas). O filme mudou o jeito de se fazer desenhos animados. Com piadas ácidas e inteligentes a produção se tornou atrativa para adultos e crianças.

Shrek é o personagem mais politicamente incorreto do cinema. Sua primeira aparição na tela é usando o banheiro. Mas, por incrível que possa parecer, as cenas escatológicas são muito engraçadas e feitas na medida certa. O herói Ogro é um cara de bem com a vida, com sua condição e que não abaixa a cabeça para nada nem ninguém, mesmo vivendo, teoricamente marginalizado, pela “sociedade encantada”. Logo no início do filme, Shrek encontra aquele que vai fazer com ele uma das melhores duplas da história do cinema: O Burro falante. A versão legendada é feita com a voz de Eddie Murphy – impossível não rir com cada frase, o bichano é um frasista nato!

O filme inovou ao usar uma linguagem de imagens muito próxima a de uma produção de não animação. Famosa a cena em que a Fiona luta contra os homens do Robin Hood, em plena floresta. A cena é toda inspirada em Matrix. O imenso sucesso do primeiro filme transformou Shrek em uma quadrilogia. Outras técnicas, que são utilizadas em larga escala nas animações atuais, foram introduzidas através da animação: uma ferramenta que permite criar camadas de pele e ossos nos personagens e faz com que eles tenham expressões humanas. A outra, denominada Fluid Animation System, produz texturas dentro da animação. Ou seja, a terra parece de verdade, o tecido do vestido da princesa Fiona parece veludo e assim por diante.

O que há por trás do Ogro? Um tapa na cara dos estereótipos do príncipe encantado que o estúdio Disney (grande rival da Dreamworks), durante anos e anos, tentou enfiar goela abaixo de todos nós (o filme avacalha com os personagens mais encantadores dos contos de fadas). Shrek está muito mais próximo de qualquer par que um dia venhamos a ter do que qualquer príncipe montado num cavalo branco. E o que é melhor: o princípe Ogro é um fofo de marca maior. 

Trilha sonora do filme. Clique no "play" e ouça.

Podemos ser o que quisermos!

- Primeiro, nós não somos ladrões. Segundo, afasta-te da cozinha e dos humanos, é muito perigoso.

- Eu sei que devo odiar os humanos, mas há algo neles...Não se limitam a sobreviver. Descobrem, criam. Olhem para o que fazem com a comida.

Os filmes da Pixar possuem uma peculiaridade que já até comentei aqui: toda a história gira em torno de duplas. Wall.E e EVA, Woody e Buzz, Marlim e Dory, Carl e Russell, todos eles são duplas inesquecíves do mundo cinematográfico. Em Ratatouille somos apresentados a mais uma dupla de ouro: Remy e Linguini.

E por mais inverossímel que possa parecer a história de amizade, descobertas e aceitação que envolve um rato e humanos, nós de fato acreditamos ser possível, em algum canto do Planeta, existir um ratinho cozinheiro.

Remy é um rato. De verdade. Acontece que ele não se vê como rato. Até andar sobre duas patas ele anda, tudo para não sujar o outro par que usa para manusear a comida. A colônia de ratos não entende muito esse seu comportamento fora dos padrões. Remy é considerado louco e esquisito. Nada muito diferente daquilo que fazemos com aqueles que não se enquadram em nossos “perfeitos” modelos de comportamento, não é mesmo? Linguini é um humano atabalhoado. Inseguro e medroso. Temos a impressão que ele não faz questão nenhuma de ser notado. Até que surge um Remy em sua vida.

Mais uma dupla inesquecível: Remy e Linguini!

O sonho de Remy é ser chefe de cozinha, Linguini é muito medroso até para sonhar. Através das mãos e do corpo do atabalhoado amigo, o ratinho consegue se tornar aquilo que sempre sonhou. A sequência em que a dupla começa a aprender o jeito certo de cozinhar é ótima, risadas garantidas. Remy também exerce influência na vida do desastrado Linguini, através dele o rapaz toma coragem e enfrenta medos, além, é claro, de conhecer o amor.

- Por que você está aí chateado?

- Bem, acabei de perder minha família. Todos os meus amigos. Provavelmente para sempre.

- Como você sabe?

- Bem, eu... Você é uma ilustração. Por que estou falando com você?

- Você perdeu sua família. Todos os seus amigos. Se sente solitário.

- Sim... bem, você está morto.

- Mas isso não é páreo para os desejos. Se você se focar no que deixou para trás, nunca vai conseguir ver o que está à frente. Agora suba! E dê uma olhada.

Remy precisa de uma boa dose de coragem para assumir tudo aquilo que quer da vida. Ser marginalizado e mesmo assim só conseguir enxergar a felicidade na realização de um sonho não é fácil. Ou ele perece ou vive seu sonho.

Essas mensagens que a Pixar consegue passar em seus filmes é sensacional. Faz com que todas as produções, sem exceção, sirvam para seres humanos de todas as idades. Os filmes não são datados e os temas são universais, seja aqui ou lá na Índia, todo mundo entende os recados e, de certa forma, ganha uma pequena inspiração para vida.

“O mundo costuma ser hostil aos novos talentos. Às novas criações. O novo precisa de amigos. Ontem à noite experimentei algo novo. Um prato extraordinário e de uma fonte inesperadamente singular. Dizer que tanto o prato quanto quem o fez desafiam minha pré-concepção sobre gastronomia é extremamente superficial.  Eles conseguiram abalar minha estrutura. No passado, eu não fazia segredo quanto ao meu desdém pelo famoso lema do Chef Gasteau: Qualquer um pode cozinhar" Mas eu percebo que só agora compreendo de verdade, o que ele quis dizer. Nem todos podem se tornar grandes artistas. Mas um grande artista pode vir de qualquer lugar.”

Uma das coisas, porém, que mais me impressiona nas produções com a assinatura Pixar é a facilidade inacreditável para conseguirem um grand finale. Em Ratatouille o ápice chega com um monólogo do crítico gastronômico Anton Ego. A fala de um personagem da ficção se torna, de repente, um tratado sobre perder os preconceitos e assumir novas opiniões. Um texto em defesa da novidade. A Pixar pede que a gente trate a novidade como tratamos seus desenhos um dia. Demos chance para tantos filmes, novos filmes, com uma linguagem que fugia aos padrões das animações que até então existiam. O resultado foi maravilhoso. E Remy nos ensina uma regrinha simples da felicidade: seja o que for da nossa vida, só vai valer mesmo a pena se tivermos coragem para sermos quem devemos ser. 

Amizade de verdade é mais que oba-oba!

O cinema já produziu muitas duplas de sucesso. Muitos pares que carregaram tantos e tantos filmes nas costas. Do drama até a comédia. Do terror até as animações. E é de uma animação que surge uma das melhores duplas dos últimos tempos: Carl Fredricksen, um velhinho ranzinza de 78 anos; e Russell, um esforçado escoteiro, de 8 anos, que nos dá vontade de carregar para casa tamanha a fofura.

Ainda que as aventuras produzidas nos estúdios da Pixar sejam fábulas, com histórias quase inverossímeis, as relações sociais que se estabelecem são bem verdadeiras. E é o que acontece aqui. Carl é um senhor aposentado, ex-vendedor de balões, que vive saudoso por não ter mais sua amada esposa ao lado. Ele não teve filhos com ela, apesar das tentativas. Temos aqui um filme para a família com uma nova idéia de família. Já Russel é um escoteiro que tem uma meta: precisa conseguir um ato de bravura para completar sua coleção de medalhas no grupo de escoteiros.

Da total incompatibilidade inicial até uma profunda e forte amizade, que vence as barreiras do tempo, das expectativas de vida e das personalidades. Na verdade, Russel é tudo que Carl foi no passado, mas que, por contingências da vida, deixou de ser. O que é uma dupla de amigos verdadeiros senão aquela relação onde um enfrenta os medos do outro, pelo outro, e o ajuda a vencer a infelicidade? Pois, Russel exerce de forma arrebatadora essa tarefa. Na verdade, seu grande ato de bravura e resgatar Carl de volta para a vida.

Não é sensacional quando a gente pode devolver alguém para uma vida de alegrias? Ser amigo é ir junto à curtição ou descartar a possibilidade mais fácil e ajudar a enfrentar o caminho mais difícil? Russel começa essa história querendo apenas fazer a boa ação para conseguir a medalha, no fim ele descobre como deve ser um amigo verdadeiro. Já passei por situações semelhantes. Tentei ser como Russel, mas não agüentei a reação que o meu “Carl” da vez teve. Não tive a mesma força de vontade que o escoteiro-herói, não tinha nenhuma medalha para conquistar e sequer me incomodava com isso.

Você já sentiu a dor do seu pior inimigo?

- E você, Bruno, tem lido os jornais? Tem lido alguma coisa?

- Livros.

- Ótimo. Que tipo de livros?

- Livros de aventuras, principalmente. Sabe, cavaleiros em armaduras brilhantes explorando terras estranhas e coisas, e princesas bobas sempre se metendo no caminho.

- Bem, é por isso que estou aqui pra ajudar. Quantos anos tem, Bruno? Oito? Está na hora de tirar a cara desses livros de ficação e começar a aprender sobre fatos.

Mais um filme sobre o Holocausto, de diferente é que dessa vez a história gira em torno de uma criança. O menino Bruno é quem dita o ritmo. Baseado no famoso livro de John Boyne (de mesmo nome), O Menino do Pijama Listrado é, na verdade, o antagonista da história. Protagonista e antagonista se fundem, mas isso só será perceptível para aqueles que decidirem ver o filme.

Em se tratando de produção que habita o terreno das história de guerra, pensamos logo que é um filmão. Afinal, são poucos os filmes que tratam do Holocausto que não podemos colocar o adjetivo - obra-prima. Esse é um deles. Não que seja ruim, é um bom passatempo. Ocorre que, o filme fica no terreno da ingenuidade do menino, e não cria momentos de muita tensão. Não li o livro, mas acho que a linguagem cinematográfica pede conflitos, tensão, jornadas, superação. Falta isso ao filme. Bruno é um menino ingênuo, que gosta de livros de aventura. Seu pai se torna comandante de um campo de concentração e, com isso, a família se muda para o interior da Alemanha. Ao avistar o Campo pela primeira vez o menino acredita ter visto uma fazenda. Com o tempo, vai descobrindo que a história é diferente.

-Do quê seu pai gosta?

-O quê ele gosta?

- Ele é um bom homem?

- Sim!

- Você nunca achou o contrário? E você tem orgulho dele?

- Sim. E você tem orgulho dos seus?

A vida sem amigos deixa o garoto sem ter muito o que fazer. Com a ideia de ser um grande explorador, ele decide ir até a “fazenda”. Quando chega lá percebe a presença de um outro menino como ele. A amizade que surge entre os dois, de vidas tão diferentes, irá conduzir todo o roteiro. Ao ouvir as histórias que o pequeno judeu conta, Bruno se vê sem saber em quem acreditar: nos seus olhos ou no que diz seu pai?

- Tenho vindo aqui por dias, mas você nunca está aqui. Eu pensei que não fôssemos mais amigos. Samuel, eu sinto muito pelo que eu fiz. Ainda somos amigos, não somos?

O que mais me chamou a atenção foi a ideia de que podemos ter e sentir a mesma dor que desejamos para alguém. É engraçado pensar que, as vezes, temos um presente tão diferente de outra pessoa e que, no entando, nossos destinos podem estar definidos e, acima de tudo, podem se cruzar em algum momento. O final do filme é seu grande momento. Um grito de dor que ecoa de fora para dentro do campo de concentração. A questão é simples: não devemos desejar ou contribuir para tanto mal que não possamos suportar. A dor do inimigo pode ser a nossa dor também.