Navegar para descobrir. Como no passado.

O cinema tem a função de nos entreter e informar. E quando junta essas duas características produz surpresas extremamente agradáveis, como é o caso de Kon-Tiki, um filme norueguês, de 2012, que foi o pioneiro em indicações para o país, tanto no Globo de Ouro quanto no Oscar. Dirigido por Joachim Rønning e Espen Sandberg, desconhecidos fora do país natal, o filme narra a trajetória de seis homens, comandados pelo explorador, zoólogo e geógrafo norueguês Thor Heyerdahl, que, seguindo a teoria do cientista, partem do porto de Callao no Peru, rumo à Polinésia, para provar que aquele país foi colonizado por uma civilização vinda do continente americano e não por ascendentes de qualquer povo asiático (colonização feita graças ao avançado estágio de técnicas marítimas dos povos que viviam nas Américas na época pré-colombina, às correntes do Oceano Pacífico e ao vento).

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Herman Watzinger, Bengt Danielsson, Erik Hesselberg, Knut Haugland e Torstein Raaby são os “marinheiros” (alguns de primeira viagem) embarcam na crença de Thor de que sua teoria está certa. Constroem uma jangada nos moldes que os colonizadores teriam construído. Para isso, usam pau-de-balsa (madeira mais leve que a cortiça), um mastro com uma vela de pano, com a face de Kon-Toki, o ancestral inca que teria cruzado o pacífico 1500 anos antes. Apesar de levarem comida, um rádio, alguns canivetes e outros artigos para uso pessoal, o meio de transporte foi elaborado seguindo à risca o que poderia ter sido feito no passado.

O filme foi rodado em várias locações, como Maldivas, Bulgária, Malta, Nova York, Oslo, Suécia e Tailândia. As imagens na Ilha são deslumbrantes e as recriações de época perfeitas, uma vez que a história se passa entre 1946 e 1947. Como foi visto em outro filme indicado ao Oscar de melhor produção estrangeiro, esse ano, o dinamarquês A Royal Affair, temos outro caso de produção esmerada, com recursos técnico incríveis, não deixando nada a desejar aos melhores filmes de Hollywood. Apesar de girar praticamente em torno dos seis homens em alto mar, o filme começa com uma passagem da infância de Thor, envolvendo a água (esta que seria sua grande estrada quando mais velho). Depois vemos o início de sua vida como cientista, exatamente numa ilha da Polinésia, junto com sua esposa. Lá ele começou a desenvolver sua teoria, que pouco tempo depois seria testada na expedição. São, porém, as angustias na imensidão do mar azul e a crença em uma construção científica os dois motes dramáticos que impulsionam o filme. Aliás, o tema crença na ciência é prato cheio para filmes mensagem (tal qual em Contato, com Jodie Foster). Alguns crentes, outros nem tanto. Fato é que os seis homens partem nessa jornada arrepiante para provar que um deles poderia ter razão.

O mais encantador é saber que Kon-Tiki é, na verdade, uma história real. Todos os personagens existiram e contaram a história através de filmagens que depois foram transformadas no documentário Kon-Tiki, de 1950, vencedor do Oscar naquele ano e que está disponibilizado em sua versão integral no youtube. Várias imagens reapresentadas podem ser comparadas com suas versões reais, presentes no documentário. Thor também escreveu um livro sobre a aventura, alcançou mais de 20 milhões de cópias vendidas e construiu um museu na Noruega.

Veja o Documentário de 1950 em versão integral.

As sagas de homens comuns e busca de redenção para as crenças de uma vida de estudos são ótimas premissas para textos de elevada carga dramática e mensagens de superação. O legal do filme é que nada disso é jogado de forma solta. As decisões tem sempre dois lados e o próprio Thor experimentou isso. A linha dramática do filme começa e termina da mesma forma, um longo plano aberto que culmina com o rosto do protagonista, deixando da ideia de que sua vida foi uma longa caminhada em busca do conhecimento. Kon-Tiki é um filme sobre um homem que acreditou em si mesmo, mesmo que todos falassem o contrário. As estradas do Pacífico responderam todas as dúvidas que os outros poderiam ter.

Um Tsunami de emoções.

O diretor Juan Antonio Bayona é um catalão de 38 anos e muito talento para produzir filmes de suspense. É dele um sucesso de boca a boca nos cinemas, o filme O Orfanato de 2007. Em O Impossível (Lo Imposible, no original em Espanhol), ele constrói o melhor filme sobre o tsunami que devastou a Tailândia em 2004. Por mais catastrófico que seja o tema, Juan conseguiu criar uma história de coragem, amor e perseverança, que fica ainda mais forte quando descobrimos ser a narrativa a tradução cinematográfica de fatos reais ocorridos com uma família espanhola de férias na Tailândia.

No filme, os espanhóis viram ingleses, mas todas as outras informações são mantidas. Maria, Henry e os filhos Lucas, Thomas e Simon partem para a Tailândia em Dezembro de 2004, para curtir o Natal. Dois dias depois de chegarem, quando estão na piscina do hotel, são surpreendidos pelo tsunami que varreu 13 países e matou mais de 204 mil pessoas. A partir daí, ao invés de cair no clichê básico de construir um filme-catástrofe ao estilo O Dia Depois de Amanhã ou 2012, o diretor espanhol busca enfatizar os momentos de solidão e desespero pós tragédia, dando ênfase às expressões e diálogos entre os sobreviventes. Apesar das reconstituição dos fatos reais ser impressionante, são os closes nos atoes e a relação entre os parentes da família perdida que movem o filme.

Em dois momentos somos brindados com excelentes momentos de Naomi Watts (a mãe) e Ewan McGregor (o pai). Naomi, por sinal, foi merecidamente indicada ao Oscar de melhor atriz em 2013. Quando conversa com seu filho mais velho, no meio do caos generalizado, ela convence o menino a salvar uma criança. A cena em que a mãe mostra ao garoto que de nada vale se salvar sem ser solidário com as dores dos outros é de uma sensibilidade absurda, tanto que o diálogo parece ser travado numa sala de estar. Ewan protagoniza um momento também chocante, quando liga para sua casa na Inglaterra e avisa sobre o desaparecimento da esposa e do filho mais velho. Os atores que interpretam as crianças estão ótimos e encararam com destreza gravações em um ambiente extremamente pesado. Destaque para Tom Holland (que faz Simon, o filho mais velho).

Coragem, bravura, desesperança, esperança, amadurecimento, amor. Os sentimentos que permeiam nossa vida em diversos momentos são elevados ao grau máximo numa situação de crise como essa. Ao invés de correr atrás de uma blockbuster de efeitos especiais, Bayona preferiu mostrar quais são as opções que podemos seguir quando nos encontramos no fio da navalha. E o mais legal de tudo é que o Tsunami é apenas um detalhe. A lição é para uma vida com a onda, ou sem ela.

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Um cara que fez história!

Steven Spielberg tem cheiro de Oscar. Mas, nem sempre foi assim. Até o aclamado A Lista de Schindler, o diretor americano mais famoso da história era um solene ignorado por Hollywood. Com o filme de 1992, Steven faturou o prêmio de melhor diretor (bisado em 1998 com O Resgate do Soldado Ryan) e parece ter encontrado a fórmula para ser sempre favorito aos Oscars que concorre. Em comum seus dois filmes que lhe renderam estatuetas e Lincoln tem uma coisa: são histórias reais (em que pese O Resgate do Soldado Ryan ser uma criação ficcional em cima de uma história real). Pois, parece que a indústria de Hollywood não curte o Spielberg da ficção, ela leva mais a sério o diretor que coloca sua visão em fatos marcantes da história americana.

Em Lincoln vemos os bastidores que antecederam a votação da histórica emenda número 13, que veio para abolir a escravidão nos Estados Unidos. Em plena guerra civil americana, o norte abolicionista e o sul escravocrata eram governados pelo presidente Abraham Lincoln. No meio do turbilhão provocado pela guerra, Lincoln decide usar a emenda como ponto crucial para o fim da mesma, omitindo que os dois lados da disputa já acenavam com uma trégua. Usando politicamente a batalha entre sul e norte para conseguir seu objetivo, ele junta um grupo de lobistas (prática centenária e profissional na américa do norte) e faz valer seu charme e seus "causos" para conquistar simpatizantes.

O drama de fatos reais (mesma categoria do grande rival no Oscar 2013 - Argo) pode sofrer um certo preconceito no Brasil porque é demasiado arrastado e extremamente realista, com muitos nomes, muito papo, enfim, muita política. Mas, para quem tem interesse histórico é interessante ver os embates no acalorado congresso, onde duelam republicanos abolicionistas e mais humanos e democratas extremamente arrogantes e ligados ao modus operandi escravocrata. Em pouco mais de 100 anos impressiona que o papel de vanguarda não cabe mais ao partido republicano.

Spielberg fez com Lincoln um exercício de direção bem próximo ao de A Lista de Schindler. Closes longos no seu protagonista, fotografia escura, reconstituição de época apuradíssima, um clímax (o momento da votação) e campo farto para o seu personagem principal brilhar. Se Liam Neeson deu show como o médico Oskar Schindler, Daniel Day-Lewis impressiona e choca com a caracterização do presidente americano. Físico, olhar, voz, postura, roupas. Parece que Lincoln ressuscitou e decidiu fazer um filme com Spielberg. Daniel está em outro patamar na arte de atuar. E, salvo uma surpresa monumental, vencerá o terceiro Oscar da sua carreira. Tommy Lee Jones e Sally Field (ambos indicados ao Oscar) também estão perfeitos.

Lincoln não é o melhor Spielberg, mas é uma aula de história com um professor sensacional.

As indicações de Lincoln ao Oscar 2013: melhor filme, ator, ator coadjuvante, atriz coadjuvante, diretor, roteiro adaptado, fotografia, figurino, trilha sonora original, mixagem de Som, design de produção, edição.

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A história de um resgate mirabolante!

Ben Aflleck é um queridinho de Hollywood, assim como seu amigo Matt Damon (com quem faturou o Oscar de Roteiro Original, em 1998, pelo filme Gênio Indomável). Surgiu para o Mundo nos filmes do diretor independente Kevin Smith, por quem sempre teve uma admiração profunda, tanto que podemos notar algumas referências ao diretor de filmes como Dogma e Procura-se Amy em momentos importantes de Argo: o universo de personagens da cultura pop como o elenco de Star Wars filmado em miniaturas de brinquedo e a abertura – uma mescla de quadrinhos que depois de marcados se transformam em imagens reais, da época em que ocorreram os fatos narrados na história.

O drama, inserido no sub-gênero drama de fatos reais, é a terceira incursão de Ben na direção de filmes, e parece ser o passo definitivo para que ele se torne um dos nomes mais quentes para comandar projetos em Hollywood. A história real, revelada em 1997, no governo do então presidente Bill Clinton, mostra uma operação para resgatar seis americanos que fugiram da embaixada americana e se refugiaram na casa do embaixador canadense, após uma invasão (que fez mais de 60 reféns) comandada pelos revolucionários ligados ao líder da revolução iraniana de 1979, Aiatolá Khomeini. O agente da CIA Antonio J. Mendez, ou Tony Mendez, tem uma ideia para resgatar os seis americanos e parte para o Irã, na missão mais importante e arriscada da sua vida: tentar trazer os civis de volta. A operação é mirabolante: transformar os refugiados em uma equipe de filmagem canadense, que viajou até o Irã em busca de locação para um filme de ficção cientifica.

Os desdobramentos do plano de resgate acontecem num ritmo alucinante, com o aumento da tensão à medida que o filme vai chegando ao final, o ápice ocorrendo uns dez minutos antes da subida dos créditos. A edição de imagens (montagem) é um dos pontos altos da produção. William Godenberg é o montador responsável pela sequência de resgate (de tirar o folego). Ele venceu o Bafta e é forte concorrente ao Oscar na categoria. Ben está correto no papel do agente Tony Mendez, mas os melhores momentos de interpretação do filme acontecem com os veteranos John Goodman e Alan Arkin (indicado ao Oscar de melhor ator coadjuvante), nos papeis de John Chambers e Lester Siegal, dois funcionários de Hollywood que ajudam Tony na empreitada. Aliás, usar a própria indústria do cinema dentro de um filme parece que vem sendo aposta bem sucedida para prêmios e indicações desde os sucessos de Hugo Cabret e O Artista.

A produção é extremamente acertada e a reconstituição da época, das imagens marcantes e dos próprios personagens reais envolvidos é espetacular, tanto que após o final, no momento dos créditos, somos presenteados com a comparação do que foi “de verdade” com a recriação pelos olhos de Ben Affleck. É bem possível que Argo (que vem a ser o nome do roteiro do filme de mentira que a “equipe” de filmagem produziria no Irã) vença o Oscar de melhor filme. Parece ser o grande rival de Lincoln, outro favorito. A verdade é que Hollywood tem paixão pelas suas crias, pelos jovens que ela vê amadurecer diante dos seus olhos. Saído dos filmes alternativos de Kevin Smith, menino prodígio que venceu o Oscar de melhor roteiro ainda muito jovem, marido de Jeniffer Gardner e boa praça total, Benjamin Affleck fez um filmão. Dentro do clima daquelas produções de espionagem dos anos 70 como Todos os Homens do Presidente, Três dias do Condor ou Operação França, com uma linguagem visual mais limpa, ritmo um pouco mais rápido e o uso de recursos bacanas como as imagens em desenho no início do filme. Ben encontrou seu estilo e nós ganhamos um grande filme.

Argo recebeu seis nominações para o Oscar. Melhor filme, roteiro adaptado (de um livro do próprio Tony Mendez), ator coadjuvante, edição, trilha sonora, edição de som e mixagem de som.

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"Não estou doente. Estou partida. Mas me sinto feliz por continuar viva enquanto puder pintar." – Frida Kahlo

Uma biografia extremamente fiel à história real e ainda assim emocionante e sensível. Não desmerecendo a direção nem o roteiro do filme, mas talvez o sucesso seja por se tratar do relato da vida de Frida Kahlo, uma das figuras mais emblemáticas do mundo das artes. Um clássico exemplo quando queremos tratar da vida de mulheres interessantes e que se eternizaram por algum motivo. Frida nos deu vários motivos. Mexicana de nascimento, criação e orgulho, a pintora se tornou um expoente por mostrar-se ao mundo através de seus auto-retratos. A menina-mulher, de beleza e nome exóticos, já deficiente devido à poliomielite, sofre um acidente e tem a vida inteira marcada pela dor e pelo sofrimento – muito desse ocasionado não só pelas mazelas físicas, mas pelo coração partido constantemente.

- Como se sente?

- Como me sinto? Não me lembro mais como era antes da dor. Terrível, não?

- Dr. Farill vem na segunda, com um especialista em coluna, Dr. Cervantes.

- Me sinto uma grã-fina rodeada de pretendentes, mas todos viraram médicos. E não sou grã-fina. Por que não me pergunta mais de meus planos? Você sempre dizia “Conte-me seus planos, Frida.”.

- Quais são seus planos, Frida?

- Agora, sou um fardo, mas ainda vou ser uma aleijada auto-suficiente. Depois, sei lá.

- Você não é um fardo, meu amor.

Interpretada por uma Salma Hayek fantástica, a Frida do filme nos remete fielmente à Frida que conhecemos de ler, ver e ouvir falar. Quando o assunto é a pequena e frágil artista, a imagem que temos é uma paleta de cores ambulante, com a cabeça a mil e o coração sempre ocupado do amor de sua vida (e causa de muitos dos seus problemas), o marido, e também grande expoente da pintura mexicana, Diego Rivera (Alfred Molina). Além disso, vemos na tela uma mulher forte, determinada, que não tem receio de assumir sua postura diante da vida e que não se subjuga a nada, nem ninguém (com breves exceções a momentos específicos com seu marido). É uma Frida bissexual, traidora, traída, alcoolizada, drogada, atéia e sempre voluntariosa – uma mulher que obedece seus desejos. Um dos poucos que não consegue cumprir, o de ser mãe, é um marco triste em sua vida e obra. Mas nada é tão patente como a relação quase doentia que desenvolve com Diego Rivera, que, segundo a própria, em cartas que inclusive compõem o filme, nunca deixou de ser o grande amor de sua vida. A relação entre os dois, que começou profissionalmente, quando Frida foi pupila de Diego, se transformou rapidamente em amor, paixão e, por que não, ódio.

- São bons, adorei.

- Você pintava melhor aos 12 anos.

- Que absurdo. Eu nunca iria pintar assim. Não saberia. Falo sério. Eu pinto o que vejo, o mundo exterior. Mas você pinta do coração. É maravilhoso.

- Agora entendo seu sucesso com as mulheres.

O filme foi indicado a seis categorias no Oscar de 2003 – melhor atriz, melhor direção de arte, melhor figurino, melhor canção original, melhor maquiagem e melhor trilha sonora – vencendo as duas últimas. Ganhou prêmios no Globo de Ouro e no BAFTA, ambos também de 2003. Realizado por Julie Taymor, tem o roteiro baseado em um livro de Hayden Herrera e é realmente uma obra que enche os olhos: trilha sonora alegre, cores alucinantes, uma história linda e profunda e uma mulher inspiradora. Tem como não adorar?

Os gênios carregam um fardo!

"É somente nas misteriosas equações do amor, que alguma lógica pode ser encontrada."

John Nash é uma sumidade da matemática. Nascido em 1928, tornou-se doutor aos 20 anos, em 1948. Sua tese, posteriormente, revolucionou as fórmulas para cálculos de fundo econômico. Depois de se casar com Alicia López-Lardé, ele começou a desenvolver esquizofrênia. Ao mesmo tempo foi contratado para realizar um trabalho para o governo americano. Pronto! Talvez esta seja a parte verdadeiramente real desta cinebiografia dirigida por Ron Howard.

A história real de John Nash envolve comentários sobre uma suposta homossexualidade, acusações de violência contra a mulher e até uma tentativa de estupro. Obviamente estamos falando de Hollywood, cinemão, filme para ganhar o Oscar. Sendo assim, coisa ruim não entra! Mas, nada disso tira o mérito do filme. Bastou o diretor dizer que a obra é uma leitura livre da vida do famoso matemático e que tudo aquilo que realmente importa está presente na produção.

" O homem é tão atroz quanto criativo. As atividades estão aí disponíveis. É só acrescentar significado.”

A vida do gênio não é fácil. Depois de sofrer, delirar, ser considerado esquisito por todos ao redor, John ainda resolveu se apaixonar. O amor foi sua ruína e salvação. A história real de amor entre John e Alicia atravessa anos e anos. Estiveram juntos, tiveram um filho, ela decidiu se separar, novamente voltaram a ficar juntos, porém como amigos, até que renovaram o matrimônio e se casaram novamente em 2001. Permanecem vivos e unidos até hoje. Ron Howard, porém, preferiu centrar o filme na relação dos dois na época em que a doença foi descoberta. Além disso, ele trouxe para trama uma dose de suspense, já que o personagem principal começa a sofrer uma perseguição do governo americano (dizem que foi por conta disso que John começou a desenvolver a doença).

Uma Mente Brilhante foi indicado para vários Oscars. Ganhou os prêmios de melhor filme, melhor roteiro adaptado, diretor e melhor Atriz Coadjuvante (Jennifer Connelly, perfeita!). O filme tem inúmeros acertos. As sequências em que são mostrados os dotes geniais de John são fantásticas. Números e palavras que saltitam na tela. É uma loucura imaginar como funciona o cérebro de gente assim.

Outra vez, comentei aqui sobre John Lennon. Vi um filme (O Garoto de Liverpool) e terminei a minha podenração argumentando que não deveria ser fácil ser um cara como ele. Genial como ele. A mesma análise eu faço para o seu xará das Ciências Econômicas. Particularmente, já acho gênio qualquer um que se envereda por este caminho – não consigo entender números, não adianta. Mas, a vida de um cara como John nos faz pensar como é difícil o fardo de carregar um dom que é descoberto e desenvolvido até o seu máximo. As vezes, quando reclamamos da vida, não imaginamos o quão complicado é não conseguir fugir da genialidade. Desgasta e enlouquece. O ponto de equilíbrio do John foi a relação que estabeleceu com Alicia. Ela foi o outro peso da balança. Não é todo gênio que tem a sorte de encontrar um par assim.

O amor salva até a alma mais atormentada!

- Eu perguntei de diversas maneiras, e é hora de me dar uma resposta.

- Por favor, cante.

- Estou pedindo. Case-se comigo. Eu amo você June. Sei que fiz e disse muitas coisas, sei que Ihe machuquei, mas prometo não fazer mais. Só quero preocupar-me com você. Não Ihe deixarei nunca sozinha. É minha melhor amiga. Case-se comigo.

Existe um problema sério com cinebiografias: acontece, geralmente, quando a história real que vai ser contada não tem muitos atrativos. O lado oposto disso surge quando vemos uma história tão rica que até mesmo o fato de não gostarmos muito da pessoa, ou do tipo de “arte” que ela produz, em nada influencia nosso gostar do filme.

É mais ou menos o caso deste Johnny e June (Walk the Line – o título em inglês é, sem dúvida, muito mais interessante que a tradução para o português). O filme conta, fidedignamente, a história de Johnny Cash, um dos ícones da música country americana. É, portanto, a história de um artista que faz um tipo de música não muito considerada no Brasil. Acontece que a vida do homem é um autêntico épico moderno. Uma história de redenção através do amor. Coisa mais linda da gente ver!

Merecem destaque as atuações arrebatadoras tanto de Joaquim Phoenix quanto de Reese Whiterspoon, vencedora do Oscar de Melhor Atriz em 2006. Joaquim está soberbo. Ele é Johnny Cash. Foi uma injustiça sua indicação para Melhor Ator não ter se convertido em uma estatueta de fato. Os dois possuem uma química impressionante, fato que era de suma importância para o filme dar certo, uma vez que a  relação com June foi o divisor de águas da vida de Johnny.

“Estava me preparando lá atrás e os admiro ainda mais. Nunca tive que passar um período duro como vocês. Ainda que tive meus problemas com a lei. Ouviram sobre as drogas que pegaram na fronteira? Senti-me no duro. Como se fosse o grão tipo duro. Isso foi até bem pouco tempo. Digo e inclino-me perante vocês, porque nunca tomaria esta água amarela. Esta é para vocês.

O filme é extremamente fiel aos fatos e começa a história antes de Johnny pensar em ficar famoso. Também não vemos a grande história de amor no início. É durante o filme que acontece o primeiro encontro entre Johnny e o grande amor de sua vida: June. Aliás, a história dos dois é linda. Linda porque não é recheada de sentimentalismo barato. É um amor duro, que passa por centenas de provações. Um amor que chega a ser negado pela própria June, pelo simples fato dela achar impossível salvar o atormentado cantor do destino certo que o abuso do alcool e das drogas pode causar. A condução da história deles é um acerto do filme.

É impressionante a dedicação e a admiração que June consegue manter intactas durante o pior período da vida do seu amor. Mesmo à distância, ela consegue influenciar na vida dele. Consegue ser dura na hora que ele precisa, consegue ser o amparo no momento certo. Johnny era um cara fadado ao fracasso retumbante (não da sua arte, mas como ser humano). Acontece que o amor tem dessas coisas: transforma pó em ouro.

Trilha sonora do filme. Clique no "play" e ouça.

Qual o tamanho do seu sonho?

“Atenção ao ruído que separa eternamente o passado do futuro. ‘Sputnik 4 de outubro, 1957’”

O início do Céu de Outubro não pode ser mais paradoxal. Enquanto um programa de rádio relata o lançamento exitoso do satélite soviético Sputnik vemos a movimentação em uma pequena cidade do interior dos Estados Unidos. Longe do enorme desenvolvimento tecnológico conseguido pelos russos temos uma cidade que vive ao redor de uma empresa de mineração. A cidade se chama Coalwood, o  ano da narrativa é o mesmo do lançamento do satélite russo, 1957.  É nesse meio que o jovem Homer Hickam (Jake Gyllenhaal) sonha em colocar foguetes de miniatura em órbita.

- Você viu o Sputnik passando na outra noite? Foi lindo. Fiquei lá observando enquanto cruzava o céu. E em qualquer lugar do mundo, alguém poderia ver exatamente o que eu vi. Até fez parecer que Coalwood fazia parte do mundo lá fora.

- Homer, acredite, há muitos lugares piores que Coalwood neste mundo. E isto é apenas um pedaço de aço voador.

O jovem não está sozinho. Conta com a ajuda de mais três amigos e uma professora. E só. Mais ninguém na sua família, tampouco na cidade, se permite comprar o sonho do rapaz. A fama inicial dos quatro é a pior possível: malucos, desocupados etc. Mas, eles não desistem. Até que um incidente – um incêndio em uma floresta – faz com que eles tenham que mudar os planos. Junto com isso, um dilema caseiro entra na vida de Homer: seu pai não aprova o seu comportamento e o garoto se sente impelido a provar para o pai que pode ser o filho que ele tanto deseja. 

O Céu de Outubro é um dos meu filmes prediletos. Revejo ele sempre que preciso de algo para melhorar meu astral. O elenco é afinadíssimo com a história e o olhar esperançoso de Jake é um dos trunfos da produção. 

- Vê se acorda, Homer! A minha chance de ganhar nessa feira de ciências é igual à sua de jogar futebol e ganhar uma bolsa. Eu sei que serei minerador. Soube disso minha vida toda. O que há de tão ruim em minerar carvão?

- Nada, Roy Lee. Minerar carvão é legal. Por isso seu padrasto é o maior bêbado do Oeste da Virgínia. Por favor, caras! Vocês sabem que a mina mata. (...) Se querem ser mineradores de carvão vão logo minerar carvão.

O caminho tortuoso que nos afasta daquilo que mais desejamos é a prova que todos devemos fazer para merecermos o sonho. Somos todos competidores (contra nós mesmos) numa corrida de obstáculos, que só existe para fazer o resultado final ser mais prazeroso. Lutar contra milhares de opiniões contrárias, lutar contra aquilo que aparenta ser o seu destino, lutar contra os familiares (opiniões tão importantes para todos nós). Quase sempre temos que enfrentar situações como essas: quero isso, mas o mundo diz que eu deveria querer aquilo. Os "fogueteiros" venceram a desconfiança inicial de todos da cidade e se tornaram inspiração para muita gente.

- Ouça, filho. Nem sei como explicar o orgulho que você me deu estas semanas. Você fez um excelente trabalho naquela mina. Continue assim e, um dia, tomará o meu lugar. Todos dizem isso. Acho que eu quero dizer que se esses foguetes são tão importantes para você então tudo bem contanto que tenha cuidado. Há passatempos muito piores. Mas perder dia de trabalho, isso é exagero. Você devia saber disso. Vamos acertar tudo com o Jake. Avisaremos que você trabalhará no turno da noite.

- Não. A mina de carvão é a sua vida. Não a minha. Eu nunca mais entrarei na mina. Eu quero viajar no espaço.

A história de Homer Hickam é real. O que faz o filme ser muito mais familiar para a gente, assim como todos os dilemas que ele encerra. Os filmes com histórias reais possuem um poder enorme de nos fazer acreditar que é possível qualquer coisa que a gente queira, quando queremos com muita vontade. A cada desvio do seu sonho, Homer voltava com mais força ainda. O mais interessante é que ele nem era o mais inteligente de todos, mas era o cara que tinha mais vontade. É um senhor recado para todos nós.

Trilha sonora do filme. Clique no "play" e ouça.