ET do Spielberg é sempre bom!

Não é de hoje que o selo de qualidade Spielberg produz filmes com uma temática alienígena. E.T – O Extraterrestre está aí para pontuar a questão. Acontece que numa de suas mais famosas incursões pelo universo de “fora da Terra”, Spielberg fez mais uma fábula sobre aceitação e amizade: um menino (filho de pais separados), esquisito, rejeitado, que conhece um alien, o abriga e precisa aprender a conviver com as diferenças, até que dessa relação surge uma linda história de amizade. Agora, como produtor, o grande mestre do cinema americano vê seu pupilo J. J. Abrams fazer uma grande homenagem ao cinema de suspense.

Super 8 é um filme de gênero. E isso não é vergonha, porque ele assim se assume desde o início, e dentro do contexto em que a narrativa acontece absolutamente tudo nos remete aos grandes suspenses de aventura que povoaram nossas telas na década de 70 e 80. Mas, em que pese as inúmeras e fantásticas sequências de tensão e perda de folego que temos o prazer de assistir, Super 8 ainda se estabelece como um filme que busca um certo sentido para os grandes conflitos da humanidade. Temos uma relação conturbada do protagonista com seu pai, uma família destruída pela falta de amor, outra por uma fatalidade, crianças esquisitas, jovens apaixonados, perda da confiança, sua reconquista...e bota muita reticência aí.

A história é clássica: um grupo de crianças, fanáticas por filmes de terror, vive os dias entre o colégio e as fimagens de uma produção amadora em super 8. Em uma noite, decidem ir para uma estação de trem, afim de usá-la como locação da obra. Lá testemunham um acidente gigantesco com um trem e um carro que se choca contra ele. Cada um corre pra um lado, mas a pequena câmera Super 8 filma tudo. Mais adiante, nós e dois dos meninos somos apresentados aos conjuntos de quadros filmados. Nada que nos surpreenda tanto, porque nessa altura do campeonato já mais do que sabemos do que se trata o grande mistério. São muitos sustos. Em um deles, dei um salto mortal, estilo “duplo twist carpado”, e assustei por tabela a minha mãe que cochilava ao meu lado.

A escolha do elenco foi muito bem feita. Joe Lamb o jovenzinho que é filho do delegado da cidade e fio condutor da história é interpretado pelo garoto Joel Courtney (a cara de criança adulta é perfeita para um personagem que tem uma história trágica para contar), outro destaque vai para a razão do afeto do menino Joe: a “atriz” do filmete em super 8, Alice Dainard, interpretada com maestria pela jovem Elle Fanning, irmã mais nova (e parece que mais talentosa) da já famosa Dakota. Falar sobre a qualidade técnica do longa é “chover no molhado”. Um filme com a produção do gênio não tem como sair com menos do que nota 9 no assunto. Fora isso, Super 8 é desses filmes para chamar os amigos, fazer pipoca em grande quantidade, comprar refrigerante e tomar muito susto. No fim, os conflitos são resolvidos com o grande jogo de imagens + ótima trilha sonora + excelentes interpretações.

Cinemão do melhor estilão, vindo diretamente de Hollywood, para nos entreter!

Toda redenção é bem-vinda!

“Não conseguia fugir de um pensamento muito simples. Eu me odiava. Não, era mais que isso. Detestava o meu lugar no mundo. Tinha tanto a dizer e ninguém que me ouvisse.”

Jerry Maguire é um bem-sucedido agente de atletas. Acontece que num belo dia, ele resolve escrever um manifesto sugerindo que a agência onde trabalha reduza o número de clientes para conseguir dedicar mais tempo a um grupo mais seleto. Espantado com a atitude do seu funcionário – “como assim reduzir clientes no país do ‘quanto mais lucro melhor’”? – o chefe de Maguire o demite. Obrigado a resconstruir a carreira, ele vai contar apenas com o apoio da contadora da agência, Dorothy Boyd, que resolve acompanhá-lo, e um único atlteta sob contrato, o ambicioso jogador de futebol americano Rod Tidwell.

Evidente que a vida do Jerry se torna uma loucura. De um dos agentes mais promissores dos Estados Unidos, ele se torna o agente de um cliente só. E que cliente! Rod Tidwell (personagem que deu um Oscar ao Cuba Godding Jr.) é um jogador “marrento” que só se interessa por dinheiro. Faz tempo que ele esqueceu o prazer do jogo. E é extamente na relação entre a ambição de Rod e a redenção de Jerry que o filme centra suas forças.

- Restam-me dez anos, no máximo. O próximo contrato tem de ser grande. Posso deixar de jogar dentro de 5 anos. E a minha família vive de quê?

- Não quero ouvir essas merdas. "Perdi o Cush e a Avery..." Uma bebida, por favor.

- Outra pessoa já teria lhe deixado, mas eu fico com você. Vou lhe encher a paciência

até que me mostre o dinheiro. Estamos juntos nessa. Ouviu? Vamos ser só um. Os dois...entende?

- Ajude-me Deus!

Um dos grandes méritos do filme é o de mostrar como a industria do esporte não guarda mais nenhum amor ao jogo. O dinheiro dita as regras e os amores por esse ou aquele time. Os atletas são movidos pelos contratos que assinam, e ter sucesso não é ser querido ou vencedor, e sim ganhar o salário mais alto. A grande obra de Jerry, ao longo do filme, é ir mostrando ao seu único cliente que ele deveria tentar recuperar a alma do jovem que começou no futebol americano. Que talvez sua carreira não esteja no ápice porque ele esqueceu de jogar por amor ao esporte, e passou a jogar por amor ao dinheiro.

A onda do filme é toda otimista. E Jerry, que era um sujeito fechado para o amor, também encontra seu pedaço de paraíso na terra. O pedaço atende pelo nome de Dorothy Boyd (Renee Zellweger, no seu primeiro papel de destaque em Hollywood). A contadora que foi fiel a ele na saída da empresa se torna, também, um amor. Dorothy é mãe solteira e a relação dela, do filho e de Jerry percorre caminhos super reais. A gente torce, verdadeiramente, para que o casal encontre soluções para os muitos obstáculos que a vida impôs.

- Olá. Vim a procura da minha mulher.

- Espera...

- Se é aqui que tem de ser, então é aqui que vai ser. Não vou deixar que se livre de mim. O que achou? Esta era a minha especialidade. Antes era bom na sala-de-estar. E agora, só... Esta noite a nossa pequena empresa teve uma grande noite. Uma grande noite mesmo. Mas não foi completa. Nem sequer esteve perto de ser completa. Porque não pude compartilhar com você. Não pude ouvir a sua voz. Não pude rir com você. Senti a falta de... da minha esposa. Vivemos num mundo cínico. Trabalhamos num negócio onde a concorrência é dura. Eu te amo. Você...me completa. E eu...

- Calado! Você já me convenceu ao dizer "Olá".

Depois de assistir o filme, não tem jeito: você realmente sai mais leve. Jerry joga tudo pro alto com 35 anos de idade. Se redime de todas as coisas que fez de errado. Abdica de uma vida de onstentação simplesmente porque não estava feliz. E o que é mais legal: a recompensa não vem em forma de milhões e milhões. Não é desta redenção que estamos falando. A recompensa vem através de um inigualável e imutável sentimento de paz consigo mesmo. Não estamos falando de um final feliz, mas de um final real, possível. Quando a gente toma coragem e decide que simplesmente quer ser feliz, a estrada fica perfeita para viajar.

Viver com a música faz bem!

 “ Onde eu cresci...Eles tentaram me impedir de ouvir música. Mas quando eu estou sozinho ela cresce dentro de mim. E eu acho que se pudesse aprender a tocá-la eles poderiam me ouvir. Eles saberiam que eu era deles e me encontrariam.”

O Som do Coração é um filme sobre amor pela música! Óbvio que tem uma história muito da inverossímel por trás, mas, definitivamente, o grande tema é o amor de pessoas pela melodia, pelo som que vem da música. A música aqui tem a ver com sonoridade mesmo, com sentir a melodia que está presente em nossa vida. Nas esquinas, no trabalho, dentro de casa.

A historinha é “estilo sessão da tarde”. Um garoto de 11 anos, que vive em um orfanato e por uma dessas obras da genética é um gênio musical. O menino tem um ouvido divino. Percebe sons talvez imperceptíveis para uma pessoa que tenha ouvidos normais. Acontece que ele tem absoluta certeza que irá conseguir achar os pais através do som que pode criar. Junto com a história do garoto, uma outra narrativa acontece: um casal que se conhece numa noite e nunca mais consegue ficar junto. Ambos músicos.

- A Filarmônica de Nova Iorque. Acabei de receber o convite. Eles querem que você volte. É só uma noite, mas eles querem que você volte.

- Eu não quero estar lá.

- Lyla. Quando vai deixar você ser feliz novamente?

- Eu sou feliz.

- Estou falando sobre quando cada um vai para casa. Olhe...Eu sei. Ok? Eu sei. Apenas pense sobre isso. Digo, você é uma professora de música que não toca mais música.

A segunda parte do filme (no “plot point”, ponto da virada no roteiro, que eu citei num outro dia) começa com a ida do menino para a cidade – ele foge do orfanato. Quando lá chega, surge aquele encantamento, o som da cidade é, para ele, uma sinfonia. Ele rege a imaginária sinfonia urbana no centro de uma praça. Quando perde o papel com o telefone da única pessoa que realmente se importou com ele, o som que ouve passa a ser ameaçador. De repente, se acalma e volta a ouvir a música. Essa é uma das melhores partes da produção.

Ouço música o dia todo. Tenho um ouvido péssimo. Péssimo mesmo! Não toco nenhum instrumento. Minha especialidade é batucada na mesa. Mas, é certo que quando estou assustada ouço um som mais tenso, uma música mais perturbada mesmo. Nos momentos de paz o som que vem pra mim é bonito e sempre faz algum sentido.

- Como faz isso? Como é que a música vem para você?

- Eu apenas a ouço. Às vezes eu acordo e ela está lá ou a ouço quando caminho pela rua. É como se alguém estivesse me chamando. Escrever tudo é como se eu estivesse os chamando de volta.

- Quem?

- Aqueles que me deram a música.

Obviamente que estamos falando de um filme “estilo sessão da tarde”, como eu já disse. Então não faz falta que maiores divagações sobre o final sejam feitas. Basta dizer que a música deve estar sempre presente. Através dela conseguimos nos inspirar e inspirar os outros. Muitas vezes conseguimos dizer coisas que não temos capacidade para formular em nossa cabeça. As vezes sua carta de amor já está pronta, ou um pedido desculpas, talvez, quem sabe, a chave para sua felicidade já está tocando por aí. Temos que achar o som da nossa vida. 

O espírito olímpico nunca mais foi o mesmo!

“Agora ficamos só nós dois - o jovem Aubrey Montague e eu próprio - podemos fechar os olhos e lembrar esse punhado de rapazes com esperança nos corações e asas nos pés.”

Eric Liddell e Harold Abrahams são dois jovens rapazes que possuem uma coisa em comum: o amor pelo esporte. Mais especificamente, o amor pela corrida. O primeiro é um missionário da Escócia, que corre por amor a Deus. O segundo é um judeu obsecado pelo sucesso e que chega a contratar um técnico particular para treiná-lo.

Tanto um quanto o outro estão em plena disputa das eliminatórias para integrar a equipe da Grã-Bretanha nos Jogos Olímpicos de Paris em 1924. Em uma das etapas classificatórias a corrida do missionário Liddell é marcada para um dia santo e ele se recusa a competir. Porém, acaba herdando uma vaga, compete e, assim como Abrahams, consegue a classificação para a equipe nacional. A partir daí começa o melhor momento do filme. A história é real.

Carruagens de Fogo ganhou quatro Oscars: Melhor filme, Melhor roteiro original (Colin Welland), Melhor figurino (Milena Canonero) e Melhor trilha sonora (Vangelis). Aliás, a trilha sonora, hoje em dia, é o grande legado do filme. A música tema do filme se tornou o som de todos os corredores do Mundo inteiro. Invariavelmente vemos trocentos vídeos de corrida com o tema criado por Vangelis ao fundo.

A verdade é que a produção se tornou datada. O filme é extremamente técnico e rebuscado, mostra a luta de jovens para conseguir a vitória, numa época em que vencer não significava mais dinheiro de patrocínio. Vencer era apenas a recompensa pessoal pelo esforço. Vencer era conseguir realizar um sonho. Não existia um baú cheio de moedas por trás disso.

“Jennie, Deus me criou para uma finalidade, mas ele também me criou veloz. E, quando corro, sinto o prazer dele.”

As sequências de corrida do filme são sensacionais. Mesmo com toda a evolução tecnoógica Hollywood ainda não conseguiu fazer igual. Porém, nos outros momentos da produção, o movimento lento da câmera torna a expriência um pouco entediante para quem não é muito ligado ao olimpismo e suas vertentes. Por ser muito fiel aos fatos, o filme deixa de lado uma ótima oportunidade para explorar a relação do homem com o esporte antigamente, fazendo algum contra ponto com os dias atuais. É uma narrativa de uma fato real. O aprendizado quem deve tirar somos nós. São os momentos marcantes da vida de um grupo de heróis de carne e osso que encaravam o esporte como razão da própria vida. Destinatário dos seus valores enquanto homens. Um esporte que não existe mais. Ficou perdido no tempo, assim como o filme.

Podemos ser o que quisermos!

- Primeiro, nós não somos ladrões. Segundo, afasta-te da cozinha e dos humanos, é muito perigoso.

- Eu sei que devo odiar os humanos, mas há algo neles...Não se limitam a sobreviver. Descobrem, criam. Olhem para o que fazem com a comida.

Os filmes da Pixar possuem uma peculiaridade que já até comentei aqui: toda a história gira em torno de duplas. Wall.E e EVA, Woody e Buzz, Marlim e Dory, Carl e Russell, todos eles são duplas inesquecíves do mundo cinematográfico. Em Ratatouille somos apresentados a mais uma dupla de ouro: Remy e Linguini.

E por mais inverossímel que possa parecer a história de amizade, descobertas e aceitação que envolve um rato e humanos, nós de fato acreditamos ser possível, em algum canto do Planeta, existir um ratinho cozinheiro.

Remy é um rato. De verdade. Acontece que ele não se vê como rato. Até andar sobre duas patas ele anda, tudo para não sujar o outro par que usa para manusear a comida. A colônia de ratos não entende muito esse seu comportamento fora dos padrões. Remy é considerado louco e esquisito. Nada muito diferente daquilo que fazemos com aqueles que não se enquadram em nossos “perfeitos” modelos de comportamento, não é mesmo? Linguini é um humano atabalhoado. Inseguro e medroso. Temos a impressão que ele não faz questão nenhuma de ser notado. Até que surge um Remy em sua vida.

Mais uma dupla inesquecível: Remy e Linguini!

O sonho de Remy é ser chefe de cozinha, Linguini é muito medroso até para sonhar. Através das mãos e do corpo do atabalhoado amigo, o ratinho consegue se tornar aquilo que sempre sonhou. A sequência em que a dupla começa a aprender o jeito certo de cozinhar é ótima, risadas garantidas. Remy também exerce influência na vida do desastrado Linguini, através dele o rapaz toma coragem e enfrenta medos, além, é claro, de conhecer o amor.

- Por que você está aí chateado?

- Bem, acabei de perder minha família. Todos os meus amigos. Provavelmente para sempre.

- Como você sabe?

- Bem, eu... Você é uma ilustração. Por que estou falando com você?

- Você perdeu sua família. Todos os seus amigos. Se sente solitário.

- Sim... bem, você está morto.

- Mas isso não é páreo para os desejos. Se você se focar no que deixou para trás, nunca vai conseguir ver o que está à frente. Agora suba! E dê uma olhada.

Remy precisa de uma boa dose de coragem para assumir tudo aquilo que quer da vida. Ser marginalizado e mesmo assim só conseguir enxergar a felicidade na realização de um sonho não é fácil. Ou ele perece ou vive seu sonho.

Essas mensagens que a Pixar consegue passar em seus filmes é sensacional. Faz com que todas as produções, sem exceção, sirvam para seres humanos de todas as idades. Os filmes não são datados e os temas são universais, seja aqui ou lá na Índia, todo mundo entende os recados e, de certa forma, ganha uma pequena inspiração para vida.

“O mundo costuma ser hostil aos novos talentos. Às novas criações. O novo precisa de amigos. Ontem à noite experimentei algo novo. Um prato extraordinário e de uma fonte inesperadamente singular. Dizer que tanto o prato quanto quem o fez desafiam minha pré-concepção sobre gastronomia é extremamente superficial.  Eles conseguiram abalar minha estrutura. No passado, eu não fazia segredo quanto ao meu desdém pelo famoso lema do Chef Gasteau: Qualquer um pode cozinhar" Mas eu percebo que só agora compreendo de verdade, o que ele quis dizer. Nem todos podem se tornar grandes artistas. Mas um grande artista pode vir de qualquer lugar.”

Uma das coisas, porém, que mais me impressiona nas produções com a assinatura Pixar é a facilidade inacreditável para conseguirem um grand finale. Em Ratatouille o ápice chega com um monólogo do crítico gastronômico Anton Ego. A fala de um personagem da ficção se torna, de repente, um tratado sobre perder os preconceitos e assumir novas opiniões. Um texto em defesa da novidade. A Pixar pede que a gente trate a novidade como tratamos seus desenhos um dia. Demos chance para tantos filmes, novos filmes, com uma linguagem que fugia aos padrões das animações que até então existiam. O resultado foi maravilhoso. E Remy nos ensina uma regrinha simples da felicidade: seja o que for da nossa vida, só vai valer mesmo a pena se tivermos coragem para sermos quem devemos ser. 

Doar antes de ter?

“Só o primeiro homem a entrar no túmulo de Tutancâmon entenderia a emoção de Amélie ao descobrir o tesouro que um menino escondera há 40 anos. Em 31 de agosto, às 4 da manhã, uma idéia iluminou Amélie. Onde estiver, ela encontrará a pista do dono da caixa e devolverá seu tesouro. Se ele se emocionar, ela se imiscuirá na vida dos outros. Se não, azar.”

Syd Field é um teórico no estudo dos roteiros de cinema. Um cara que escreveu o Manual do Roteiro, livro em que disseca o jeito de Hollywood para contar histórias. Pois, o que tem a ver Syd com esta produção francesa de 2001 e trecho logo acima? É que o renomado autor nomeou uma técnica de roteiro chamda Plot Points – conceituou dizendo que “são os eventos do roteiro que desencadeiam mudanças no rumo da trama”. O trecho acima é um plot point. Técnica hollywoodiana, inserida num roteiro francês.

- Depois de tantos anos o único personagem que ainda não consegui captar é a moça com o copo de água. Ela está no centro e, no entanto, está fora.

- Talvez seja diferente dos outros.

- Em quê?

- Não sei. Quando era pequena, não devia brincar muito com outras crianças. Talvez nunca.

Nos primeiros minutos do Fabuloso Destino de Amélie Poulain, somos apresentados aos eventos que marcaram a sua infância, bem como as cartacterísticas dos seu progenitores. De cara vemos que a criança Amélie cresceu em um mundo só seu. Solitária, mas não sozinha. A mãe não fez parte da sua vida por muito tempo e o pai sempre foi um sujeito estranho, que não expressava as emoções. Podiamos até imaginar que a pequena se tornaria uma adulta revoltada, pois bem, não foi isso que ocorreu.

“Amélie, de repente, se sente em harmonia com ela mesma. Tudo é perfeito nesse momento. A suavidade da luz, o perfume no ar, o rumor tranqüilo da cidade. Ela respira fundo. A vida lhe parece tão simples, e um desejo de ajudar toda a humanidade a toma de repente.”

Em que pese a vida solitária e o medo de se envolver, com o plot point da “caixa escondida”, Amélie toma novo rumo na vida e o filme também. Ela decide fazer o bem para aqueles que a cercam. Seja no trabalho, na família, no prédio ou na loja em que compra frutas, a mocinha decide se transformar numa heroína pós-moderna, sem poderes especiais aparentes, a não ser a imensa vontade de fazer as pessoas felizes.

  

- Sabe a garota do copo de água?

- Sei.

- Se parece distante, talvez seja porque está pensando em alguém.

- Em alguém do quadro?

- Não, um garoto com quem cruzou em algum lugar e sentiu que eram parecidos.

- Em outros termos, prefere imaginar uma relação com alguém ausente a criar laços com os que estão presentes.

- Ao contrário, talvez tente arrumar a bagunça da vida dos outros.

- E ela? E a bagunça na vida dela? Quem vai pôr ordem?

- Bom, melhor cuidar dos outros do que de um anão de jardim.

Porém, por mais que faça a alegria daqueles que estão ao seu rodor, Amélie não consegue fugir da vida solitária em que se meteu. Até quando se imagina vitoriosa e amada, não consegue criar um final feliz para si mesma. Como na passagem em que vê o seu próprio enterro. Ela pensa: “Amélie Poulain, chamada ‘Madrinha dos Enjeitados’ ou ‘Madona dos Infelizes’, sucumbe ao cansaço extremo. Estranho o destino dessa jovem mulher, privada dela mesma porém, tão sensível ao charme discreto das coisas simples da vida.” Como ela pode querer tanto a felicidade alheia sem imaginar alguma coisa tão boa para si mesma? Faltava algo? Talvez, o amor.

- Ela está apaixonada por ele?

- Está.

- Acho que está na hora de ela assumir o risco.

- Justamente, ela está pensando em um estratagema ...

- Ela gosta disso. De estratagemas.

- Sim. Na verdade, ela é um pouco covarde.

- Acho que é por isso que não consigo captar seu olhar.

“O desejo de ingerência de Raymond Dufayel é intolerável! Se Amélie prefere viver no sonho e ser uma moça introvertida, é direito dela. Pois estragar a própria vida é um direito inalienável!

Acontece que, por mais certezas que a gente tenha na vida, quando precisamos tomar atitudes que interfiram em nosso destino nos acovardamos. Invariavelmente, é melhor fazer coisas pelos outros do que por nós mesmos. Então, talvez por medo da rejeição, nossa heroína tenta resolver o seu problema do coração. Para se entregar ao seu escolhido ela tenta um jogo de “gato e rato”, que desperta a curiosidade e o encantamento dele.

- Então, minha querida Amélie você não tem ossos de vidro. Pode suportar os baques da vida. Se deixar passar essa chance então, com o tempo seu coração ficará tão seco e quebradiço quanto meu esqueleto. Então, vá em frente, pelo amor de Deus.

Se não fossem os empurrões daqueles que estão ao nosso redor (e que, talvez, tenhamos ajudado em algum momento), não conseguiriamos dar alguns passos adiante. Amélie é forçada a tomar as rédeas do seu destino. O diretor Jean-Pierre Jeunet construiu uma heroina de carne, osso e muito senso de humor. Suas obras de justiça são impagáveis, principalmente com o dono da mercearia e com seu pai. O esmero visual e a câmera que passeia nervosamente por diversos ângulos fazem do filme uma obra tão autoral quanto comercial (já que o tema é universal).

Me fiz uma pergunta ao final da projeção: quantas Amélies estão por aí? Perdidas em seus caminhos individuais, doando amor e compaixão por outros e sem coragem para definir os rumos das suas próprias vidas. Para essas heroinas eu desejo aquilo que a Amélie da ficção encontrou: AMOR!

É libertador consertar o passado!

- Alô?

- Amir Jan.

- Rahim Khan?

- Gentileza sua lembrar-se. Sinto saudades, Amir Jan. É bom ouvir a sua voz. Deveria voltar para casa.

- Casa? Não sei se é uma boa hora. A hora é péssima.

- Deveria vir. Existe uma forma de melhorar novamente, Amir.

Para gostar ou não do Caçador de Pipas precisamos saber como vamos encarar a produção. Se olharmos para o filme tentando enxergar as mazelas do Afeganistão (onde se passa uma boa parte da narrativa) ficaremos uma pouco decepcionados. Se formos encarar a película tentando absorver as lições sobre coragem, fidelidade e gratidão teremos um bom filme.

Baseado no livro de grande sucesso do escritor nascido no Afeganistão, o afegão Khaled Hosseini, o filme narra a vida do jovem Amir. A ação ocorre durante a década de 70, do século passado, perpassando pela invasão da União Soviética em 1979 e a posterior intervenção americana no início do ano 2000 para a derrubada do regime talibã até os tempos atuais. Amir tem como melhor amigo o garoto Hassan, pertencente a etnia hazarae (considerada inferior), e apesar de tratá-lo como um igual sofre por não possuir a coragem e nobreza de caráter do amigo.

- Bravo! Bravo, chefe Amir! Você o cortou!

- Ganhamos! Ganhamos!

- Amir, vou pegar aquela pipa azul para você.

- Hassan! Volte com ela!

- Por você, faria isso mil vezes!

Quando envereda pelo terreno da relação entre Amir e Hassan, o filme consegue ser extremamente interessante. O primeiro é uma criança temerosa. Teme o pai, teme assumir suas vontades (gosta de escrever), teme assumir que não se sente pertencente ao Afeganistão. Já o segundo possui coragem de sobra, segue as tradições sem se sentir preso a elas e está em paz com seu destino.

Após a invasão da U.R.S.S em 1979, Amir e o pai vão para os EUA. Após anos e anos, e já crescido, Amir recebe um chamado vindo do seu país de origem. Ao atender o chamado começa sua jornada para revisitar um país que parou no tempo (e o filme faz  questão de ressaltar a diferença entre ocidente e oriente, tomando um claro partido do primeiro), além de tentar eliminar os traumas do passado. Ainda que os afegãos não sejam plenamente livres, Amir, ao menos, tenta buscar a sua liberdade.

- Pense por favor. Tudo o que o homem tinha então era sua honra, seu nome. E se as pessoas

começassem a falar...

- Ele mentiu pra mim.

- Ele mentiu para vocês dois. E agora existe uma maneira de voltar a ser bom. Em nome de Deus misericordioso e de compaixão.

Deve ser complicado forjar o seu caráter e sua estrutura de valores longe da sua terra. Amir tinha apenas o seu pai como referência. Meu avô materno saiu do Líbano ainda muito novo. Veio com duas irmãs, uma foi para a Argentina e deu origem a toda uma linha familiar da qual muito me orgulho e sinto enormes saudades todos os dias. A outra irmã se estabeleceu em Niterói, com meu avô, e juntos começaram a formar uma família aqui. Fico imaginando como deve ter sido difícil para essas três pessoas deixarem pra trás todas as suas relíquias sentimentais. Talvez o filme tivesse sido melhor se explorasse esse lado da história de Amir. O livro consegue fazer isso, o filme não conseguiu tanto. Ainda assim, é interessante ver o reencontro do personagem principal com seu passado e a forma como ele fica em paz com tantos fatos que o atormentavam desde quando era criança. Seria legal se todos nós pudéssemos ter a chance que o Amir teve.